辻井伸行

2012年12月 8日 (土)

Nobuyuki Tsujii Japan Tour 2012

I used to listen to the rendition of Tsujii-san by CDs, DVDs, on TV and internet.
And this time, for the first time, I got a chance to listen at his live concert.
As I wrote in the previous articles on this blog, I’m very interested in Nobuyuki Tsujii, a Japanese pianist.
Therefore, I attended the concert with a great expectation and a slight anxiety to get disappointed.
As was pointed out on an article somewhere, there were many ladies of middle age.
It made me more anxious.

That concern proved unfounded and what’s more, I experienced a wonderful music which is far different from that on CDs or TV.
After this concert, sadly, I felt the sound of CDs as something unsatisfied.
It is beautiful and well-organized, but just like miniature garden and less interactive with audience.
That is how much the absolutely stunning power of his rendition overwhelmed me.


First of all, he had achieved torrential speed.
After the Chopin and Cliburn competition, he had stepped up his rendition power further.
I felt some pieces to be too fast.
But I think it is acceptable for his age.
It will be the next highlights how he settles down in his 40s and 50s.

Visually, his hands worked fast, of course, and his head moved around a lot, as everyone knows.
But the black part of his clothes, that was from his  shoulder to feet and elbows, was very stable.
It moved less but was not rigid.
It seemed relaxed, natural, and capable to handle anything on the keys precisely.
His posture reminded me of a legendary pianist, Lazar Berman, whom I saw at NHK Hall.
The manner of music and a quality of sounds are quite different each other.
But both had a slight stoop and could play stiff pieces effortlessly.
Their postures were visually very similar.


The first half of the program was Debussy and the last was Chopin.
I’m not familiar with the pieces of the first half and too familiar with those of the last.
I was anxious about whether they could be enjoyable.
But by the first piece, he drew me into his music world.
I was afraid that blind pianists tended to play with small volume and less contrast.
But such concern turned out to be groundless.
His vibrant touch generated ringing sounds throughout the hall.

During the first piece, several audiences were coughing gallingly.
But in the next pieces, insidiously, they fall into silence.
All of the audiences seemed to concentrate into his music.

As the program progressed from Arabesque to Bergamasque and Estampes, diverse vibrancy became richer.
I wondered what he did in the last passage of Menuet.
The vibrancy of glissando there was so airy-fairy and wondrous.
His Clair de Lune had mystical vibrancy and was firm, far from saccharine.
Magical touch generated extremely diverse vibrancy in Estampes.

In L'isle joyeuse, a good stiff piece with many trills and crossing arms, he prolonged the first trill and made a breathtaking pause after that.
It had an air of patina and it drew us into the mystical world of this piece.
I knew this piece had some length but he played so exhilaratingly that it ended all too soon.


The first piece of the last half was Chopin waltz No.1.
By this one piece, he proved that he could express the amusingness of Chopin’s music in front of the audience.
He seemed to have self-confidence for that with his cheerful and a little mischievous nature.
In the pieces of Chopin, pianists must have the courage to represent extemporaneity and ever-changing phrasing without hesitation.
In addition, such rendering must move the heart of the audience.
By this piece, which I had been getting bored with and rarely had voluntary to listen to, he succeeded in both points.

I was impressed with scherzo most in the concert.
It was so imposing and had moral tone of virtuoso.
From the start, overwhelming sound and its quality thrilled me.
The fortissimo was so powerful that it might shake the walls of the hall.
Yet, it was well-controlled and listenable.
He played this piece with brisk rhythm, various tone color, rich vibrancy, exquisite pause and elegant nuances.
Above all, sounds were vividly sparkling.
I could understand the reason why audiences crowded to his concerts.
Those sounds cannot fit inside CDs.
I got to hope to come to his concert again.

Frankly speaking, it is a great challenge to play Polonaise Fantaisie in 20s.
This is one of my best pieces written by Chopin.
What image did he have when he was playing this piece which was full of caprice, somber and textured?
I hope he will continue this challenge over 40s and 50s.

Heroic Polonaise divides my opinion whether I like the pianist or no.
This piece reveals the manner of rhythm of the pianist.
I came to like his Heroic Polonaise since I listened to his debut CD.
The sound of the octaves in the middle part was admirable.
And furthermore, I especially impressed by the next soft part.
I was sometimes disappointed by the technically remarkable pianists who could not play such gradual part attractively.
I can say for sure that the pianists who are loved and can keep popularity for a long time are ones who can play such gradual, somber, songlike part fascinatingly which exists in almost all the pieces.
The pianist who cannot develop musical charm in such part would be lost interest and disappear.
Tsujii-san played this part with penetrating sound and admirable nuance.
I was persuaded that this pianist was beyond a temporary or fashionable star.


In an encore, he played Chopin’s 'Tristesse' and ‘Revolutionary’ etude, and of his own composition, theme from “Still we live” and Flowers Bloom.
'Tristesse' etude was one of the reasons I came to like him, too.
His 'Tristesse' today is not a heartbreaking farewell but a parting with hope and another chance.
Even so, I like his manner of singing, that is, sharp rhythm, firm phrasing and some instances that bring tears to my eyes.

Last of all, I would like to refer to the theme from “Still we live”.
I know there exists a certain argument about his own compositions.
I myself don't listen to his own pieces frequently.
I took it only as a lovely piece which represents his warm thoughts in his own way.
He composed this piece thinking of the Great East Japan Earthquake, and the hall was just where he was when the earthquake occurred.
So it might be all because he let this piece have it all.
The piece which I have listened to several times by CD and TV sounded significantly different to my heart.
In objective terms, the melancholy melody by right hand deeply spread all over the hall and subtle, faint background-like accompaniment by left hand was in perfect harmony with the melody.

I felt the the real strength of the piano as a musical instrument, too.

I thought this was a kind of music which we could not listen to by CDs.
Unlike the sound of CD, which was not taken by ear of the player but by microphone, the sound I met there was what came into existence by interaction with the sound reflected to the pianist and a sense of existence of audience.
I used to have an impression that the piece was a kind of soft, soothing music.
But the melody rendered by him had a power of driving through my heart uncannily and swayed me emotionally.
It has stringency enough to extend his mind directly.
He has an exceptional ability to demonstrate extraordinarily magical power especially when he is in front of an audience.

Mass media sometimes touts him as a “blind” pianist.
And some critics indicate his blindness as a psychological advantage to an audience.
What I was convinced after this concert was that it is a trifle to think “he is wonderful in spite of blindness” or “I emotionally have a good feeling toward his childhood and growing up”.
If ever he has an advantage to be blind, it is that he has been given many times more stringency to convey something by music, to communicate with audience by sound, to send something invisible to someone’s heart than any other pianist because of his blindness.
I realized we can totally enjoy this characteristic especially in his live concert.

2012年12月 7日 (金)

辻井伸行 日本ツアー2012 鑑賞記

CDやDVD、テレビ、インターネットなどでは何度も聴いていたのだが、
今回初めて辻井伸行さんのコンサートを生で聴く機会を得た。
以前このブログでも取り上げていたように、
今非常に注目しているピアニストであるがゆえに、
大きな期待とともに、その期待が裏切られるのではないかという、
少々不安な気持ちを持って臨んだ。
会場に入ってからも、以前どこかで見かけた記事の通り、
中年の女性が非常に多い観客構成にも不安が募った。

だが実際に聴いてみて、そのような不安が吹き飛ぶどころか、
CDやテレビで見聴きするものとは別物と言っていいほどの、
素晴らしい音楽を体験させてもらった。
我が家の音響システムが貧弱なせいがあるかもしれないが、
またピアノや弦楽器などのアコースティック楽器の宿命でもあるのだろうが、
CDで聴く音楽が箱庭的な、小奇麗に飾られ過ぎた、
細部までよく聴こえるが聴き手との相互作用の薄い、
物足りないものに感じらるようになってしまってもったいないと思うほど、
このピアニストの演奏者としての威力に打ち負かされてしまった。

全体の印象として、まず圧倒的なスピード感がある。
ショパンコンクール、クライバーンコンクールを経て、
さらに1段も2段も演奏力が向上している。
曲によっては速すぎると思えるものもある。
私はこれくらいの若さでは、これくらいのスピード感があっていいと思う。
これが40代、50代でどう取捨選択され、落ち着いていくか、
それがまた聴きどころになるだろう。

視覚的印象だが、指が良く動くのは当たり前だが、
そして例によって頭が良く動くのだが、
肩から足まで、そして腕も肘のあたりまで、
要するに黒い衣服の部分がほとんど動かないのだ。
動かないからと言って懲り固まっている風ではなく、
実にリラックスした、自然な、しかし鍵盤上のことの何にでも正確に対応できそうな、
実に安定感のある形だ。
私はそれを見て、以前NHKホールで見た、
Lazar Berman というピアニストを思い出した。
音楽のタイプ、音の美しさなど、作り出す音楽の魅力の質はかなり違うが、
ちょっと猫背で、どんな難曲も当たり前のように弾いてしまう、
その姿に視覚的類似点を感じた。

プログラムは前半がドビュッシー、後半がショパンだった。
私自身、前半のものはあまり聴き馴染んでいない曲、
逆に後半のものは聴き込み過ぎている曲で、
いずれの意味でも楽しむことが出来るのか、不安があった。

しかし一曲目、ドビュッシーの「アラベスク」で、このピアニストの世界に引き込まれた。
目の見えないピアニストは、音量が小さかったり、音色のコントラストが小さいのではないか、
との不安感があったが、それは杞憂に終わった。
タッチがしっかりしているのだろう、
歌う部分では個々の音が実に良く鳴っていて、ホールに心地よく響き渡った。

それでも、この1曲目を弾く間は、数名の観客の咳払いが、
少々気になるほど入れ替わり立ち代り聞こえていた。
それが2曲目、3曲目と進むううちに、ふと気づくと、そのような咳が一切聞こえなくなっていた。
まさしくホール全体が辻井さんの音そのものに引き込まれ、集中していっている、
そんな感じだった。

「ベルガマスク組曲」、「版画」と進んでいくにつれて、
音の響きの多彩さが、
より鮮やかになっていった印象を持つ。
「メヌエット」の最後のグリッサンドは、一瞬何をやったのかと思うような、
軽やかで不思議な音色だった。
「月の光」は、神秘的な響きと、甘ったるくない引き締まった表情が非常に魅力的だった。
版画に至っては、魔術的タッチといってもいいほどの多彩な響きを聴くことが出来た。

「喜びの島」はトリルと両手交差が飛び交う難曲だが、
出だしのトリルを長く引っ張って、その後オヤッと思うほどの間を置くなど、
いきなりこの曲の妖しい世界に聴衆を引き込む風格のようなものがあった。
その後はまさしく腕が鳴るといった感じの爽快感あふれる演奏で、
かなり長い曲のように思っていたのだが、あっという間に終わってしまった。

前半の印象が良かったために、後半の聴き慣れたショパンの出来はどうかと余計に心配になり、
しかも1曲目がワルツ第1番ということで不安も大きかったが、
ショパンの世界に聴衆を引き込む自信があったのだろう、
この人の陽気で、お茶目なところがある性格の良さがそのまま出たような、
そして弾き手によってその魅力が大いに左右されるショパンの音楽の良さを
見事に演じて見せた、と思えるほどのすばらしい出来だった。
辻井さんはこれ1曲で、ショパンの面白さを実演で示せる器を持っていることを示してくれたように思う。
ショパンでは個人の嗜好や経験に基づいた即興性や自在さを、ためらうことなく発揮する勇気が必要だろう。
そしてそれが奇妙な独りよがりでなく、聴衆に受け入れられ、聴衆の心を揺り動かすことができるかどうかだ。
もう聴き飽きて、自分からはまず聴こうとしないこの曲で、
辻井さんはその両方に成功したことを印象付けてくれた。

そしてこの演奏会で私が最も感心したのが、
次のスケルツォ第2番だった。
巨匠の風格さえ感じられる、実に堂々たる演奏だった。
冒頭から、その音の迫力と質にまず感激した。
そのフォルティッシモの音は、ホールに響き渡るというよりは、
ホールの壁を揺るがす
ほど、ドーンと響く迫力で、
しかもそれが見事にコントロールされ、音響としてきれいだった。
スケルツ
ォはイタリア語で「冗談」を意味し、「諧謔曲」と呼ばれるらしいが、
おどけておかしみのある
、気のきいた冗談、という意味に、
少々深刻な香りを加えたような、
急速で快活なこの曲を、
辻井さんは小気味良いリズム、鮮やかな音色変化、響きの豊かさ、絶妙の間、品のいいニュアンスで弾いた。
そして何より、音そのものが生き生きとはじけていた。
おそらくショパンコンクールに出た頃から実演で弾き込み、
磨き上げてきたのだと思うが、
この1曲だけでも、このピアニストの演奏会が常に超満員になる理由がわかる気がした。
これは決してCDなどに入り切る音ではないだろう。
最後の1音に至るまでの構成感も見事に仕上がっている感じだ。
この人の演奏を、またいいホールのいい席で聴きたくなる、
そんな思いを強くさせられた。

20代で弾く「幻想ポロネーズ」は、はっきり言って大きな挑戦だろう。
私がショパンの曲の中で最も好きなものの一つで、
その一見気まぐれに進んでいく、地味な中にも何とも味のあるこの音楽を、
このピアニストは今、どのようなイメージで弾いているのだろう。
ぜひともこの挑戦を続け、40代、50代と弾き込んで行ってもらいたいと思う。

私は「英雄ポロネーズ」の弾き方で、そのピアニストへの好みが大きく分かれる。
この曲で、その人のリズムの取り方の癖がわかってしまうからだ。
そして以前CDで聴いたときから、私は辻井さんの弾く「英雄ポロネーズ」が好きになっていた。
だからこのプログラム最後の曲は安心して聴くことが出来た。
中間部以降の、左手のオクターブの響きも良かったが、
私が一番好印象を持ったのが、それに続く、少し静かになる部分の歌い方だった。
超絶技巧を誇る幾多のピアニストを聴くたびに、
この緩徐楽章的部分のつまらなさ、退屈さにがっかりさせられた。
そして真に聴衆から愛され、長くその人気を保てるのは、
様々な曲の中にほぼ必ず存在する、
このような静かな、一見地味な、そして歌のある部分のうまさなのだと、
私は自信を持って断言できる。
そのような部分に音楽的魅力を出せない音楽家は、必ず飽きられ、消えてゆく。
辻井さんはこの曲のこの部分を、ホール全体によく通るほどの、
やや大きめの芯のある音で、浪々と、実に魅力的なニュアンスで弾いてくれた。
これを聴いて私は、このピアニストは、決して一過的な話題性だけでもてはやされる音楽家ではないことを確信した。

アンコールは、
ショパンの「別れの曲」、「革命」、
そして自作曲の「それでも、生きてゆく」、「花は咲く」だった。
「別れの曲」も私がこのピアニストを好きになった決め手となった曲の一つだ。
今のこのピアニストの「別れの曲」は、決して悲しい別れではなく、
また会える、希望に満ち溢れた「別れ」だが、
緩やかだがシャープなリズム、引き締まった、しかし時にほろっとくる表情など、
私はこの曲における彼の歌い方が好きなのだ。

さて「それでも生きてゆく」だ。
辻井さんの自作曲に賛否があることは知っている。
私自身彼の自作曲のすべてを好んで聴くというほどではない。
この曲についても、彼の思いは伝わってくる良い曲ではあるが、
彼の曲に良く出てくるある種の癖のようなものがやはり感じられる、
彼らしいと言えば彼らしい、愛すべき小品だ、というぐらいの認識だった。
これは東日本大震災のことを思って辻井さんが作った曲で、
また今回のホールが、3.11の東日本大震災当日に辻井さんが居合わせた場所だった、
ということもあったための、入魂の演奏だった、ということもあったかもしれない。
テレビやCDで何回か聴いたことがあるこの曲が、
はっきり言って、それらとは別物の音楽として私の心に響いた。

客観的に記述するならば、
ホールの隅々まで響く、憂いを持った右手の旋律と、
非常にかすかに、淡い背景のように絶妙に響く左手の伴奏音との、
見事な調和のもとに進んでいく音楽、ということになるが、
ピアノという楽器の底力を聴いた思いもする。
これもCDなどでは絶対に聴けない類の音楽ではないかと思わされた。
演奏者の聴く音とは異なる、マイクで拾った音として伝わっていくそれらの音楽と異なり、
同一空間で、演奏者の耳に戻ってくる音と、そこにいる聴衆の存在感とのフィードバックの中でしか成り立ち得ないと思える、
実に見事な響きだった。

静かな感じの曲という印象を持っていたが、朗々とを持って響く音によって、
旋律が異様なほど心に突き刺さり、魂が揺り動かされる威力のようなものを
感じた。
その響きの中には、およそ音楽を超えて、自分の意志や心の声を直接伝えている、
そんな迫力さえ伝わってきた。
  
ここで聴いたこの曲は、単にその曲の作曲としての良さをはるかに超えて、
このピアニストの演奏力と意志の力で、その魅力を何倍にも拡大されたものと言えるだろう。
このピアニストは、人を相手にした時、異常なまでの魔術的力を発揮する稀有の存在である、
そんな印象を強くした。

よく辻井さんのことを、盲目のピアニストとしてもてはやし、
またそれがある種の心情的アドバンテージであるかのように揶揄する評論を見かけることがある。
しかし私が今回生で辻井さんの演奏を聴いて確信できることは、
盲目であるのにすごいとか、その生い立ちへの心情的好感などということは、
もはやちっぽけなことであって、
もしこのピアニストにとって盲目であることにアドバンテージがあるとすれば、
聴衆に音楽で何かを伝えてやろう、
聴衆と音でコミュニケーションし、心の奥に、目には見えない何かを届けてやろう、という迫力が、
視覚がないがゆえに通常のピアニストに比べ何倍も多く備わったこと、
ということにあると言ってしまえるのではないかと思う。
そしてその成果は、このピアニスト
生で聴いてこそ、
しみじみと体感できる
ように思う。

2012年1月 7日 (土)

辻井伸行 ジェニーへのオマージュ 作品1

新年明けましておめでとうございます。
今年もよろしくお願いいたします。
年末年始に、ささやかながら、とても気分のいいことがあったので、記しておきます。

このブログでも何度か取り上げたピアニストの辻井伸行さんが、
昨年11月に米国のカーネギー・ホールの大ホールにデビューした。
その模様の一部が昨年12/30と今年の1/1にテレビ放映され、
また、その一部の曲がCDとして発売された。
全曲を収録したDVDは2/8に発売される予定だ。
私はその中のある1曲についてかねてより注目していて、それが予想以上だったのである。

カーネギー・ホールはニューヨーク市マンハッタンにあり、
音楽の殿堂として数々の伝説がある。
ここではポピュラー音楽のコンサートも催されるが、
私にとってはクラシック音楽家の究極の舞台としてのイメージが強い。
Horowitzが長い隠遁生活からカムバックした1965年の演奏会もここだった。
Horowitz自身とても緊張して、1曲目では音を外したり、和音を探したりしたことが、
記録にも残っているし、伝説にもなっている。
ここのステージの床には「
Horowitzのネジ釘」というのがあって、
ピアノが最もよく響く(恐らく弾き手にとって最もよく音が反射してくる)位置がマークされていた。
今もそれが残っているか定かではないが、
同じ舞台に辻井さんが立てたという感慨が、私には強い。

またここは、辛辣な批評で知られるThe New York Timesなどの
マスコミの注目も厳しいことでも知られている。
ヨーロッパのコンサートも、好き嫌い、良い悪いをはっきりと態度で示す、
非常に厳しい雰囲気の場もあると聞くが、
やはりショービジネスの世界では、カーネギー・ホールは最大級の権威の象徴だろう。
そこへ招かれ、デビューできたことはとても価値のあることだと思う。
今回「Keyboard Virtuoso I、II」と題されたこの一連の演奏会には、
そのタイトル表現の大袈裟さだけでなく、
他にPollini、Schiff、Kissin、内田光子などが招かれていることからも、
その栄誉の大きさがわかるだろう。

このコンサート自体のことについて、事細かくここに述べるつもりはない。
私が注目していたのは、そこでアンコール曲として弾かれた
フォスター作曲「金髪のジェニー」(Jeanie with the Light Brown Hair )をテーマにした辻井さんの自作曲だ。

自作曲をクラシックのコンサートで弾くことは、20世紀初めごろまでは特に珍しくはなかったが、
現代ではとても勇気のいることだ。
しかし、それだけでない雰囲気があったようだ。
クラシックコンサートにおいてクラシック音楽以外の曲を弾くことに対する抵抗感が、
非常に強い雰囲気がある場所だ、というのだ。
それはニューヨークや、そこにある音楽の殿堂としてのカーネギー・ホールの歴史的意味が
関係していることでもあるようだ。
ここには、ヨーロッパの貴族趣味に憧れて、それにならって、
あたかもパトロンのようにクラシック音楽を崇める、
といった雰囲気があるということを聞いたことがある。
そして、そのような中で自作曲、とりわけクラシック曲でないモチーフを用いた曲を
弾くということに対する懸念は、コンサート前後で指摘されていたようだ。

日本人にとってフォスターという作曲家はとてもなじみが深いものだ。
唱歌の中に加えられ、学校の教科書などにも古くから取り上げられていた。
その曲調からも、ポピュラー音楽というよりは、準クラシック音楽に近いイメージが私にはある。
しかし米国では明らかにポピュラー音楽とみなされているようだ。


  日本語のウィキペディアでは、フォスターのことを「歌曲作曲家」としてある。
  そして「歌曲」とは「クラシック音楽における独唱声楽曲」とある。
  一方、英語版では{Songwriter」、「father of American music 」とあり、
  1970年に「Songwriters Hall of Fame」に入った、とあるが、
  「Songwriters Hall of Fame」は「National Academy of Popular Music」によるものである。
  つまりポピュラー音楽の殿堂に入ったということのようだ。
  
つまり、ポピュラー音楽をモチーフに使った自作曲は、
カーネギー・ホールでのクラシック音楽の演奏会にふさわしくなく、
聴衆に受け入れられない、という懸念があったようだ。
事実、アンコール曲になって、1階席の少なからぬ聴衆が立ち去ったらしく、
また米国のFaceBookなどでも、公演終了後に、やはり弾くべきではなかったという意見が見られた。
私も、NHKのニュース番組で、この演奏会のどの時点での場面かわからないが、
辻井さんが拍手に応えてお辞儀をしている最中に、
1階席の少なからぬ聴衆が立ち去っていく様子が映っていて、
かなり違和感を感じていた。

私は、カーネギー・ホールに集まった聴衆の中に、
単にクラシック音楽ではないモチーフを使ったということだけで、
その音楽をクラシック演奏会にふさわしくないと考える方々がいても、
あまり気にする気にはならなかった。
確かに、クラシック音楽とポピュラー音楽の安易な融合は、
あまり私の好みの音楽を生んでいないという経験からも、
そのようなことを毛嫌いする気持ちはわからないでもない。
しかし、クラシック音楽自体、元をただせば民族音楽や民衆音楽をモチーフに使っていたはずで、
無条件に排他的な風潮は、snobbismの表れのようでもあり、
今一つ与したくないもののように思えた。

ただ、クラシック音楽を良く聴く私自身が、
辻井さんの最近の自作曲に抱く物足らなさのようなものを、
カーネギー・ホールの聴衆も感じてしまった可能性はないか、
ということが気になっていた。
正直なところ、最近の彼の自作曲には、
安易な饒舌さ、のようなものを私は感じていた。
映画やテレビなどの、外からの要求に合わせ、
周りの性急な期待に応えすぎて、それにおもねってしまったのか、
耳触りは良いが、私としてはあまり何度も聴きたくなるものではなかった。
彼がカーネギー・ホールで弾いた新しい自作曲も、
それに類するものではなかったのか、という、作品の質的なものの方に
懸念を持っていた。
彼がこの夏に、作曲家の加古隆さんに3ヶ月ほど弟子入りしたということが、
NHKの番組の前宣伝にあったが、
たかが3ヶ月程度の弟子入りで会得できるほど、本当の作曲は甘いものではないのではないか、
とも思っていた。

私自身が現場に居合わせたわけではないので、何が本当の所なのかわからないでいたのだが、
NHKテレビで12/30に放映された番組の最後で、
アンコールを弾き終わった後、辻井さんが涙しながら、
聴衆の拍手に感動した様子が映し出され、
また本人から、それに感動し、満足したことが語られていた。
カーネギー・ホールの1階席で、アンコールの前後に立ち去った聴衆がいたことは事実で、
その方々が、このようなアンコール曲が上記のような理由で気に入らなかったことがあるとしても、
私はそれを責める気にはならないし、そこにもそれなりの真実があるのだと思う。
しかし、辻井さんが感じ取った聴衆の反応も、私は真実だと思いたい

すべての、ではないけれど、少なからぬ聴衆が、彼の挑戦を評価してくれたのではないかと思う。

そして何よりも、その番組で流れたこの曲が、私の耳を捉えて離さなかった。
そしてそのすぐ後に、この演奏会の実況録音のCDで、この曲を聴いた。
それは、彼の自作曲の中でもひときわ、私の琴線に触れるもので、
カーネギー・ホールの聴衆がどう思うか、アメリカのファンがどう思うか、などということなど、
一気に消し飛んでしまったのだ。




例によって、テレビで流れた時のこの曲は、映像を伴っており、
またテレビ用のためか、音の録り方が少々荒っぽかったりで、
その音楽そのものは、私の意識の中で、その良さをちらりと垣間見た、といった程度だったのだが、
その後に聴いたCDでのこの曲は、その出だしから、実に心奪われるものだった。
そのメロディー、和声の付け方、そして弾き方、が私の好みに合ってしまったのだ。

この作品は、まずフォスターの曲がほぼそのまま、彼なりの編曲を伴って弾かれ、
次にアルペジオが、このモチーフに付かず離れずの和声で、幻想的に展開されていく。
厳密に言うならば、前半が編曲で、この中間部が彼の作曲ということになるのだろう。
そして再びフォスターのモチーフに戻り、最後に、中間部のアルペジオが、
回想のように現れて終わる。

私はまず、フォスターのこのメロディーが、実に郷愁を誘うような、
何か故郷とか、家族とか、何か温かいもの、失いたくないものをくるんでいるような、
そんな感じを抱かせるものとして、とても気に入ってしまった。
もちろんアメリカの聴衆のためを思って彼が選んだ曲であるのだが、
彼がこのようなメロディーを自作曲のモチーフに選んだことが、
まずもって私にもうれしいことだった。

そしてその編曲部分における和音進行が、適度な濁音を含みながら、
非常に格調高く響いたことも、私の好みに合っていた。
中間部のアルペジオは、必ずしもフォスターのモチーフの変奏形式になっているわけではなく、
それと付かず離れずの関係なのだが、
それも今までの彼の自作曲に時に見られた、
少々歌謡曲的な、パターン化されたコード進行のものというよりは、
むしろクラシック曲で聴かれるようなものに近く、私には好感が持てた。
ここでは、フォスターのテーマから感じられる思いからさらに広がって、
いろいろな感慨が、人それぞれに感じられるところだと思う。
そしてモチーフの再現、中間部の再現、という構成も私には趣が感じられた。

そして何より、私は辻井さんの弾き方に心打たれた。
出だしの舟歌を思わせる部分から、静かにモチーフへと進み、
それが抑揚を持って膨らんでいくところを聴いただけで、
クライバーンコンクールでのショパンの協奏曲で聴けたような、
彼の入魂の表現が、ここでもまた聴けた、という思いが込み上げてきた。
私は以前、辻井さんはライブでこそ本領を最大限に発揮できると思われ、
ライブ録音を残すべきだ、と申し上げていたが、
それもかなえられ、しかもその期待に見事に応えてもらった気がする。

私には、この曲がクラシック曲としての語法を用いたとみなされるような、
正統的なものかどうかの判断はつかない。
それどころか、現代の作曲において、どうであればクラシック的なのか、
クラシックの演奏会にふさわしい作曲とは何か、すらはっきりしない。
またこれは、フォスターの曲をただ編曲し、少々即興的なフレーズをつけただけではないかと言われても、
反論することはできない。
しかし、この曲を既に20回を超えて聴いている自分としては、
クラシック的かどうか、クラシック音楽会にふさわしいかどうか、
作曲とはどうあるべきか、などどうでもよくなってしまって、
この作品は、ジャンルに関係なく、「古典とみなされるものと同等の価値がある」と言っていいのではないかという思いを抱いてしまった。

CDのジャケットを改めて見て気付いたのだが、
この曲には「作品1」とあった。
今までの自作曲を作品に数えず、これを「作品1」とした真意はわからない。
映画音楽やテレビ用音楽はともかく、初期の自作曲や、
自分自身の動機で作り出したこれまでの曲は、作品として数えてもいいのではないかと思うのだが、
即興的に作ったのではない作品、
きちんと作曲を習って作った作品、
クラシカルな語法を意識して作った作品、
あるいはカーネギー・ホールへの初挑戦に対する意気込みの証、
というような意味が込められているのかもしれない。
少なくとも私に言えることは、どんな事情があったとしても、
この曲は「作品1」と呼ぶのにふさわしい、何度も聴きたくなる、
気に入った曲となったのであり、
素直に、心から、辻井伸行さんに感謝の気持ちを伝えたいと思う。
ありがとう、よくやってくれました。

2011年8月30日 (火)

天地真理48-2 Tsujii's overseas operations

After I wrote the previous articles about Tsujii-san, I was informed the two facts.

Firstly, the two labels named
Challenge Classics and PID began to sell Tsujii's CDs at reasonable prices in U.S. and Europe.
I asked avex-Classics about these labels.
They let me know that
Challenge Classics is a Dutch label, and PID is its affiliate to import and sell its CDs in U.S..
Both are legitimate companies which are licensed from avex-Classics.
Their CDs are a little expensive compared with those of major labels,
but they are quite reasonable compared with imported CDs directly from Japan.
They seem to be attached English liner notes, too.
So, I think it is a great progress.

I revise the previous articles here.


Secondly, Liu-san let me know a good news.
Avex Group Holdings announced a new subsidiary establishment.

It says as follow:
   -
Avex Classics International Inc. will be established on October 3rd.
   - The CEO will be Hiroyuki Nakajima.

       (who was introduced as a recording producer in the TV program "Takeshi Art Beat".)

   - Businesses are discovering, development, management, concert planning and producing master recordings of classical artists, including overseas operations.
   - There will be five staffs who have wide experiences and human networks in the classical music field.
   - Nobuyuki Tsujii will belongs to it as a contracted artist.
   - This is a result of the first project calling for new businesses in the company.



We can realize two points from this announcement.
   -
Avex Group admitted Tsujii-san as a core person for a new business and decided to focus on it.
   -
Avex Group laid out the framework that will allow Tsujii-san to actively perform in overseas as a classical music artist.
   
I heard that major labels occupy famous artists, halls, conductors and orchestras.
So it will be a tough challenge for the new company to enter
overseas operations.
But I can appreciate that Avex Group indicated a definite attitude to do their best for Tsujii-san in a classical field.
I hope from the bottom of my heart that the new company will make strenuous efforts and succeed in
leading Tsujii-san to a worldwide virtuoso. 

天地真理48 辻井さんの海外展開

前回の辻井さんの記事を書いた後、2つの事実が明らかとなった。
まず、PIDならびにChallenge Classicsというレーベルが
アメリカやヨーロッパのアマゾンにリーズナブルな値段で辻井さんのCDを販売し始めている。
このことに関し、avex-Classicsに質問したところ、
Challenge Classicsはオランダのレーベルで、PIDはそれをアメリカで輸入・販売する会社とのこと。
いずれもavex-Classicsからのライセンス供与による公認・正規のものとのことだった。

海外レーベルのもとで作られた当地向けCDに比べれば割高だが、
日本からの直輸入盤よりははるかに安く、また英文のライナーノーツもついているようなので、
大きな進歩であると思う。
前掲の記事をここに訂正しておく。


次に、Liuさんから教えていただいた情報で、
エイベックス・グループから「孫会社の設立に関するお知らせ」なるものが発表された。
  ・10/3付で Avex Classics International Inc.という会社を作る
  ・代表取締役は中島浩之氏(たけしのアート☆ビートでプロデューサーと紹介されていた方)
  ・クラシックに特化したアーティストの発掘・育成、マネジメント、コンサートプランニング及び原盤制作 等 を海外展開も含めて行う
  ・クラシック音楽における経験と人脈が豊富な少数精鋭のスタッフ5名
  ・辻井伸行さんを所属アーティストとして予定
  ・本件は
第一回社内起業募集プロジェクトの成果として誕生した
などが記されている。

このことから2つのことが読み取れる。
  ・
エイベックス・グループが辻井伸行さんを新規事業の一つの核として認め、注力していくことを示した。
  ・
エイベックス・グループは辻井伸行さんをクラシック音楽を主な舞台として活躍できる体制を整えた。

海外のクラシック業界では、著名なホール、著名な指揮者、オーケストラとの共演等は
海外メジャーレーベルに牛耳られているという話を耳にする。
それらに対抗していけるか、困難な道だが、
エイベックス・グループが辻井さんのために全力を尽くす姿勢を示してくれたことは
評価できるだろう。
今後のご健闘、ご成功を祈りたい。

2011年8月17日 (水)

天地真理46-2 Nobuyuki Tsujii Works 2000-2011

I got the new CD "Nobuyuki Tsujii Works 2000-2011".
I have all his CDs until now. But this time, I hesitated to buy it.
One reason is that I really do not like easy-listening piano music.
I do not mean I hate them, but I get bored with them soon.
Trial listening at Amazon made me suppose that it only contains such kind of pieces.

Another reason is that I watched a TV program "Takeshi's Art Beat"
which showed a recording scene of one of the piece in this CD.
And it left a big question in my mind.

But recently, I red a noteworthy essay written by Liu-san (Ms. Liu) in her website.
  "神様のカルテ ~辻井伸行 自作集 - one person's thoughts"
  https://sites.google.com/site/nobufans/nobuyuki-audios/nobuyuki-tsujii-works-2000-2011

After that, I was inspired to listen to what Tsujii-san saw in his mind's eye,
and I came to realize I may consider what Liu-san worries about, while listening to it.


I think all these pieces in the CD are impromptus which were composed in a short time
by his sensibility and musical ability, facing impressive affairs, scenes and situations,
rather than pieces which composers break their backs for.
Therefore, I do not feel like criticizing the partial resemblance, immaturity and verbosity of them.
I would rather like to think about what he felt through them,
and enjoy the scene and atmosphere which he sensed by his audition and tactile.

It seems almost without effort for him to compose them,
so I do not think that composition itself affect his performances of classical music.
Instead, I appreciate his attitude to play his own pieces in his concert.

Many years ago, Evgeny Kissin played Japanese school songs in his concert
which were arranged by Shigeaki Saegusa.
I got so favorable impression from them.
They were full of delights of piano music.

Vladimir Horowitz also played his own pieces.
Especially, it is well known that his transcriptions were very popular in those days.
His transcriptions such as "Pictures at An Exhibition", "Danse macabre" and some "Hungarian Rhapsodys" captivated audiences in his concert.
I listened to his second live in Japan in 1986.
After the concert, I remember that audiences were leaving the concert hall with gusto.
He played only Schubert's Moment Musical and Moszkowski's Etude with modification in coda for encore.
But he could attract audiences and bring humor.
So, all of the audiences could really feel that it was a wonderful night.
Classical concerts are sometimes too formal and boring.
As Horowitz said, music should be essentially pleasurable.
Of course the main program must be of a quality high enough to penetrate even the harshest critics.
But in an encore, renditions should be needed for hearty entertainment.
Tsujii-san is only a few select pianist who can do this.
His original pieces would help for impressiveness.
This scene of concert in U.S. is an excellent proof of it.
On the premise of excellent main program, if he plays his original pieces for encore,
I think it would not harm his career as a classical pianist
but significantly enhance the appeal of his concert.


I have something on my chest.
Viciously speaking, This CD is for the success of the film "Kamisama no Karute" (God's Medical Chart).
And there are some pieces involved in TV drama and TV commercial which I am doubtful about.
Except for "Kamisama no Karute", he originally composed the pieces out of personal motives.
It seems that guys in show business just utilized his existing pieces.
But close relations with television business make me feel a tinge of uneasiness.

Another skepticism came from the TV program "Takeshi's Art Beat",
where I watched the recording scene of "Morning in Cortona".
A producer and a recording director gave suggestions to Tsujii-san,
such as "more energetic here", "more rhythmical here" and "Last part of the take 1 would be changed to that of the last take".
I can understand these guys were faithful to their duties and did their bests for the piece to be accepted by the masses.
But sometimes it works negatively in musical activities.
It is quite acceptable to make such suggestions for the renditions of film soundtracks by the film director, according to the movie's situations or concepts.
But wasn't it an impromptu which expresses what Tsujii-san felt in Italy ?
So, no matter how famous or major those guys are, I hope to listen to the very feelings of Tsujii-san.
Why they put their noses into his "personal" music ?
They should quietly let him listen to and examine every his takes, and confirm that they meet his images.
I have no objection to his composing activities.
But I have no tolerance for manipulating this kind of his own works in the recording processes.

Even worse is the accompaniment for Ayumi Hamasaki, a Japanese singer,
who is a major contributor to the prosperity of Avex group.
And Tsujii-san belongs to the label "avex-CLASSICS".
Worse yet, I don't like her voice and the way of singing.
If Tsujii-san liked her song and volunteered to accompany her singing on the piano,
I would say nothing.
But I guess he was dragged to some kind of project to liven up this singer.
Worries of Liu-san have proved right.

I searched his CDs in Amazon.com.
Except for "A Surprise in Texas (2010)", there were the list of "Import".
After he won the Cliburn Competition, Hiroko Nakamura, a Japanese famous pianist, said Tsujii-san will be a superstar at least in the United States.
Actually, this movie shows that the audiences in the United States have deeply moved by his renditions.
And it was broadcasted that he succeeded in Europe, too.
But such moved audiences can only get his CDs by import.
Liner notes are only in Japanese.
     (After I wrote this essay, I knew that some foreign labels sell his CDs in Europe and U.S. at a low price.
      But I can not confirm that they are legitimate productions yet.)


For example, at Amazon.com, "Pictures at an Exhibition" costs $44.99 in the United States.
Chaikovski's Concerto is $40.54.
Volodos's CD is $10.96 (Sony Classical), and Pollini's CD is $13.34 (Deutsche Grammophon).
Fans outside Japan must buy his CD at an unreasonably high price.
And DVDs imported from Japan can not be seen in the United States by the difference in region codes (regional lockout).
If people in the United States try to buy "Nobuyuki Tsujii Works 2000-2011" (3000 yen) directly from Amazon.co.jp,
it costs $64.94 with delivery costs ! (1$=77yen)
How does avex-CLASSICS take full account of fans' benefits outside Japan?
It is quite easy to attach the translated liner notes.
There must be some ways to deliver movies to the market worldwide in place of DVDs.
The privilege for the winner of the Cliburn Competition that grants concerts worldwide will soon expire (in three years).
After that, can avex-CLASSICS provide him chances to have concerts outside Japan?
(This is revised in my next article.)


There exists an opinion in the review of Amazon that Tsujii-san might be at his best when he creates music.
I appreciate his sensibility to nature, faculty to express in music and sincerity to reveal them without any pretense.
He himself does not limit his preferences and activities only to classical music.
He is just hoping to make his living in piano playing.
He enjoys and performs today's popular music, popular ballads "Enka" and Jazz.
I think it is favorable.
It is needless to shut him away only in classical music.

But from the two following aspects, I recommend for him to put special emphasis on classical piano playing,
and devote heart and soul to it.

Firstly, I think that the value of Tsujii-san as a classical pianist is much higher than Japanese people would generally expect.
He will succeed Horowitz or Richter in my thought, and definitely will rank with Lipatti.
He possesses deserved musical sense and technique which really moves audiences.

Remember that the records of these great pianists are still loved throughout the twentieth century and into the next, in spite of their poor sound quality.
If Tsujii-san devotes himself entirely to renditions, and they are recorded and distributed worldwide,
he surely becomes similar.
I eager to listen to his renditions of other various pieces.
And I wish he will hand down as many definitive CDs as possible.
They will be loved over the century, become cultural legacy, and be his living proof.
Based on the value, It cannot be disputed what he should  give priority to.
Does avex-CLASSICS have a strong spirit to make his historical album ?

Secondly, I think it is risky to be deeply involved in the show business or the television business.
I hope he takes advantage of the TV industry.
Of course the worst is to be obscure or struggling.
But he has become famous enough.
If he were involved in the show business deeper, he would shorten his life as a pianist.
Needless to say, TV industry cash in on him with his blindness, his fame as a competition winner,
his naive, innocent and unvarnished spirit, and his entertaining ability to make music easily.
If they considered him to be less superior as a classical pianist, or if they got bored with his blindness and his beloved personality, they would draw away from him.
Besides, he would be given a harsh lesson from gossip writers just like the evening of star's glory.
Fortunately, he would not read such jenky magazine or revilement on the net by himself.
I don't mean he should not appear on TV.
He should have a controlled relationship with TV industry.
It is not worth the highest priority.
This was proven by Mari Amachi's experiences who is a heroine in this site.
If you saw each miserable end of popular television stars, who especially had naive, innocent, unvarnished spirits, it would be clear how Tsujii-san should wisely do.


My requests are as follows.
His outputs should be distributed worldwide more conveniently and at a lower price.
It follows that he should be given tough but righteous reviews and comments from outside Japan.
They will lead his career to the right way.
His renditions at the Cliburn Competition were so marvelous that the CDs are worth historical album.
But honestly, some pieces are charms me, but I feel there is no definitive CD in avex-CLASSICS label.
I expect that some renditions in the live concerts after the competition could be definitive.
One is the rendition of Rachmaninoff's concerto No.2 with Tatsuya Shimono = Yomiuri Nippon s.o. on Dec.3.2009.
It had more harmonious sounds and more natural favorable nuances in tense tempo than those of Richter = Wislocki(1959), which I recognize as a definitive one.
Richter transcend Tsujii in massive feeling, exciting rhythm and seriousness,
but totally, I think this rendition is the best performance for this piece that I eager to listen repeatedly.
Believe his potential and temperament, and record his live performances,
expecting his sublime, once-in-forever renditions.
As to his original works, they should be recorded soon after they are composed to listen to his original impressions and enthusiasm.
avex-CLASSICS should make suitable efforts for him as an emerging label.


In November, Tsujii-san will make his Carnegie Hall debut.
Carnegie Hall has special importance for classical pianists.
I wonder if he prepare for that earnestly as he did for the Cliburn Competition.
I wonder if it will be recorded and distributed worldwide, and he will be subjected to serious comments and reviews for better or worse.
I wonder if he can feel the dignity of the Classical Hall of Fame,
and find barriers that are worth overcoming.
I would like to follow his activities.


At the end, I may as well remark my impressions on this CD.
I appreciate "Angel Wings Rockefeller", "River Seine Rondo" and "Whisper of the River" as compositions which have their maturity and originality.
Meanwhile, the melodies in "House of Wind" still stick in my mind, which I have heard somewhere.
Phrases in the beginning and ending are impressive to express two different types of "Wind".
Fragments of multiple melodies remind me of some scenes of Chopin's happy life in the "House of Wind",
which come and go like a fairy tale or a revolving lantern.
They have magical connotations.
"Gods Medical Chart" – letter - makes me feel a good skill of storytelling which let me glimpse the main theme subtly and occasionally.
And the sound of the piano is so beautiful.
Totally, it seems that they are easy listening or healing music,
but his works have not only harmonious sounds and chords but also fantastic descriptions of nature and narrative eloquence.
When I listen to "Homage to Chopin" and the theme from "Still We Live",
I can not help but realizing his strong will to convey what he see in his mind's eye, or what he feels at the bottom of his heart.
They seem like easy listening but I think it includes something never "easy".



Postscript: A kind reader sent me an article about Tsujii-san in a local newspaper.
There, Tsujii-san expresses enthusiasm for his Carnegie Hall debut and says that he would like to penetrate the appreciative audiences overwhelmingly.
He is planning to perform his original piece which he expects to be a one-up degree of perfection as a classical music.
(Shinano Mainichi Shinbun 20/8/11)

2011年8月13日 (土)

天地真理46 辻井伸行さんの自作集

私はつい先日、辻井伸行さんの新作CD「神様のカルテ~辻井伸行自作集」を購入した。
私は彼の今までのCDはすべて持っているし、彼が出るテレビ番組はほぼすべてチェックしている。
従ってこのCDが発売された時も購入を考えたが、どうも気乗りがせずにそのままにしておいた。
その理由は、私はまずイージーリスニング的なピアノ音楽があまり好きでないことがある。
別に嫌いではないが、すぐに飽きてしまうのだ。
このCDに収められている曲も、以前聴いた印象や(既録音の再リリースが5曲入っている)、
アマゾンでの試聴から、それに類する音楽と思えて、買うまでのことはないのではと躊躇していた。
もう一つは、「たけしのアート☆ビート」という番組でこのCDに収められている曲の録音風景が映り、
少々疑問を持ってしまったからだ。

そのような気持ちから一転、このCDを買う気になったのは、
このブログにもコメントをいただいたことがある、アメリカ在住の辻井伸行ファン、
M.L.Liu さんの記事を読んだからである。
この方は、
Nobuyuki Tsujii Fans 辻井伸行ファンサイト」(https://sites.google.com/site/nobufans/)
というWebsiteを作っておられ、
大変精力的に辻井さんの情報を発信し、また自ら批評文も書いておられる。
このWebsiteには、
 ・辻井さんに関する ニュース(日本のものも含めて)
 ・辻井さんのコンサート、マスコミ出演予報
   (驚くべきことに日本のテレビ放送だけでなく、ラジオ放送もフォローされている)
 ・辻井さんに関するFAQ(これが結構勉強になる)
 ・海外での批評記事
 ・YouTubeなどの動画のリストと在り処
 ・他のWebやブログ上での記事やコメントの紹介
   (日本語での表示だけでなく、英文訳まで付けておられる)
などが載せられている。
最初のページ「Nobuyuki Tsujii News 辻井伸行 ニュース」だけでも、
日本の辻井伸行ファンはフォローする価値があると思われる。
ほぼ毎日、何らかの情報が更新されているようだ。
もっとも今は、それだけ辻井さんの情報がどこからか湧いて出ているからなのだが。

私が今回注目した Liu さんの記事は、
神様のカルテ~辻井伸行 自作集 - one person's thoughts
https://sites.google.com/site/nobufans/nobuyuki-audios/nobuyuki-tsujii-works-2000-2011
である。
ここでこの方は、
世界的なピアニストとして歩み出したばかりの辻井さんにとって、作曲に注力することに懐疑的であること、
自作作品はまだ不完全で、似たようなフレーズが多く、優しすぎること、
「コルトナの朝」や「風がはこんできたもの」は、以前のヴァージョンでの魅力的な部分が改変されていて不満であること、
などを書かれている。
一方、このCDを、実際のところ心地よく聴いていること、
聴くうちに彼ならではの良さに気付いてきていること、などを語られている。
何より、この方は、これらの曲を通じて、
辻井さんが優しさと愛らしさを歌ってくれているように感じること、
そしてこの世の中が、彼が心の目で見るもの(ここで歌ってくれているもの)
のようにはいかない悲しさをも感じておられる。

私はこの記事を読んで、辻井さんが心の目で何を見て、どう表現しているのか、
まとまった形で聴いてみてもよいと思った。
それと同時に、Liuさんが感じておられる不満や不安を、
これを聴きながら自分なりに考えてみてもよいと思うようになった。


私は、このCDに収められている曲はすべて、
作曲家が身を削るようにして作り上げるような作曲というよりはむしろ、
辻井さんが経験した印象的な出来事、場面、情景に彼の感性が反応して、
彼の類い稀な音楽的センスと共鳴して、短時間で出来上がった即興曲集ととらえている。
従って細かい類似性、稚拙さ、饒舌さがあっても、それをとやかくあげつらう気になれない。
むしろ私はこれらの曲を通じて、彼は何を感じたかについて思いをはせ、
彼が聴覚と触覚とから感じ取った情景や雰囲気を楽しみたいと思う。
また、恐らく軽々とこれらのことをやってのけているように見受けられることから考えると、
これらの作曲そのものが、彼のクラシック演奏家としての活動に影響を与えるとは思わない。
むしろ私は、彼の演奏会において、アンコール曲としてこれらの自作曲を弾くことは
良いことではないかと考えている。

ずいぶん前にキーシンが日本に来た時の演奏会で、
アンコールに日本の唱歌を三枝 成彰さんがピアノアレンジしたものを弾いていて、
とてもいい印象を持ったことを覚えている。
ピアノ音楽を楽しむ雰囲気にあふれていた。

ホロヴィッツも自作曲を弾いたりしているが、
彼の編曲作品が、当時の聴衆に大変な喜びを与えたことは周知である。
「展覧会の絵」「死の舞踏」そしていくつかの「ハンガリア狂詩曲」。
これらがあるとないで、演奏会の魅力は大きく変わっただろう。
もちろん、レコードでしか聴けなかった私も大いに楽しんだ。
私はホロヴィッツの1986年の2度目の日本公演を聴いたが、
終わった後、聴衆が皆ニコニコと、実に楽しげに帰っていったのを今でも覚えている。
この時のアンコールは、シューベルトの楽興の時と、
コーダを少々変更したモシュコフスキーの練習曲を弾いたぐらいだったが、
聴衆をひきつけ、時に笑いを誘うぐらいのユーモアがあり、
演奏会を皆が本当に楽しんだ、という雰囲気が感じられた。
クラシックの演奏会は、実際のところ退屈で、しかつめらしいことも多い。
しかし、ホロヴィッツが常々言っていたように、音楽は本来楽しくあるべきだ。
もちろん本プログラムでは、口うるさい論客も唸らせ、黙らせるクオリティが必須だが、
アンコールなどでは、音楽を心から楽しいと思える演出もほしい。
そして辻井さんは今、それができる数少ないピアニストだと思う。
このことに、彼の自作物は大いに貢献するだろう。
それはアメリカでのコンサートの模様を映したこの映像を見てもよくわかる。
もちろん、本プログラムの演奏クオリティが維持されることが前提だが、
私はアンコールなどでこのような曲を弾くことは、
決して彼のクラシック音楽家としてのキャリアに害を与えるものではなく、
むしろ彼のコンサートの魅力を大いに高めるものだと思っている。


ただ、気になることもある。
Liuさんは以前の「Summer Thoughts and Worries」という記事で、
辻井さんに関する4つの心配ごとを述べておられた。
それは次のようなものである。
  ①最近の演奏会で珍しく何度かミスタッチをした。作曲で彼の時間と集中力を奪われていないか。
    ピアノ演奏にプライオリティをおいてほしい。
  ②もうピアノ指導を受けなくてよいのか、作曲するならそれもきちんと習う必要がある。
  ③嫉妬からくる悪評が増えているように思う。マスコミに出過ぎではないか。
  ④所属の音楽事務所avex-CLASSICSは大丈夫か。
   クラシックのキャリアを積む上で本当に彼の力になれるか。
   クラシック以外の方へ引っ張っているのではないか。

この方の心配は全く的を得ている。
そして私は正直、辻井さんがうらやましい。
同時代にここまで彼のことを真剣に思い、心配し、愛情を持って批評してくれる人がいるのだ。
私は辻井さんに関するインターネットの記事をあまりフォローしておらず、
従って、日本のファンの方々がどのように語り合っておられるのか知らないのだが、
もう少し日本のファンの受け止め方を私自身勉強する必要もあるようにも思う。
日本のファンの中にも同様に心配しておられる方がいるだろう。


まずうがった見方をすれば、このCDは、
映画「神様のカルテ」の興行を成功させるためのものだ。
そして私が信用できないテレビとのかかわり、テレビのドラマ音楽、そしてCM音楽がある。
今はまだ、「神様のカルテ」を除けば、彼が自らの動機で作った曲を、
流用している印象はある。
しかし私は、このようなテレビの、しかも音楽番組でないものへ関わりを持つことに
一抹の不安を感じる。

さらに、このCDを買うことを躊躇した理由の一つとして挙げた、
「たけしのアート☆ビート」という番組では、「コルトナの朝」の録音風景があった。
そこで、プロデューサーとレコーディング・ディレクターが、
ここはもう少し盛り上げて、ここはリズミックに、
そしてTake2と最終Takeをつなげたいなどと話していた。
この方々は、このCDが売れるように、この曲がより多くの大衆に受け入れられるように、
職務に忠実に、そして誠実に最大限の努力をしていることは理解できた。
しかしそれがあだとなることが、音楽の世界では往々にしてあるのだ。
これが「神様のカルテ」のような映画音楽として使われるものなら、
映画監督が、映画のシーンや構想などに従って音楽担当の辻井さんに注文を出すことはわかる。
しかし「コルトナの朝」という即興曲は、辻井さんがイタリアを旅した時の印象を音楽にしたものではないのか。
ならば、これらの方々がどんなに高名で偉大な
方々であっても、
その人がいじった音楽ではなくて、辻井さんの感性そのものを私は聴きたい。
なぜ、そのような音楽にまでこの人たちは口出しするのか。
むしろだまって、辻井さんにしっかりと各Takeを聴かせ、
自らのイメージに合致するのかを問い、納得いくまで吟味させるべきではないのか。
私は辻井さんが作曲することや、それを披露することに全く異論はない。
ただ、こういう風に自作集を出すとなった時に、
わけのわからない人がいろいろ口出しをして捻じ曲げられてしまう、
そのことが我慢ならないのだ。

そして、あいた口がふさがらないのが、
辻井さんが、浜崎あゆみさんの歌の伴奏をしていることである。
ご存知のように浜崎あゆみさんはエイベックスグループを業界の一大勢力に押し上げた
最大の功労者である。
そして辻井さんが所属するレーベルがavex-CLASSICSだ。
悪いことに、私はこの浜崎あゆみという歌手の声や歌い方があまり好きでない。
これは好き嫌いの問題であるから、ファンの方がおられたら受け流していただきたい。
もし辻井さんがこの歌手を好きで、自ら伴奏を買って出たのなら何も言わない。
しかし、グループを挙げて持ち上げている歌手のプロジェクトの一環として、
今人気の辻井さんが担ぎ出された感は否めない。
Liuさんの心配は的中しているのだ。


私はふと、Liuさんが辻井さんのCDなどをすべて持っておられることを思い出して、
米国Amazon.comで、辻井さんのCD、DVDを検索してみた。
「A Surprise in Texas (2010)」というクライバーンコンクールのドキュメンタリーDVDを除いて
すべて輸入盤が並んでいる。

クライバーンコンクール優勝直後に、ピアニストの中村紘子さんが
辻井さんは少なくともアメリカではスーパースターになるのではないかと言っていた。
実際、上でも紹介したこの映像ではアメリカの聴衆がとても魅了されていることがわかる。
ヨーロッパでも評判が良かったことが伝えられている。
しかし、そのような海外のファンは、辻井さんのCDを輸入盤でしか得られないのだ。
しかもライナーノーツは日本語のみである。

例えば「展覧会の絵」(CD1枚)はアメリカでは$44.99
チャイコフスキーの協奏曲(CD1枚)は$40.54 だ。
1$77円としても$44.99は3464円だから、これは相当高い。
アメリカでは、ヴォロドスの最新CD1枚が$10.96、2枚組CDが$16.98(Sony Classical)
ポリーニのCD1枚が$13.34、2枚組が$16.67(Deutsche Grammophon)だ。
海外のファンは法外な価格で辻井さんのCDを手に入れているのである。
しかも、付属のDVDはアメリカでは規格が異なるため(普通のやり方では)見れない。
きくところによると、Liuさんは日本のアマゾンから直接購入しておられるらしい。
日本アマゾンから直接買うと北米向けは2000円、ヨーロッパ向けは3000円の送料がかかる。
従って3000円のCDは、アメリカで購入すると送料込で5000円、実に$64.94だ。
Liuさんは、辻井さんのCDは、それに値するとおっしゃっているが、
avex-CLASSICSはどれだけ海外ファンのことを考慮しているだろう。
英訳したライナーノーツをつけることぐらい簡単にできる。
DVDも別途配信するなど、手はいくらでもあるだろう。
世界視野で考えた時、avex-CLASSICSは辻井さんの価値に応えきれていない。
そしてクライバーンコンクール優勝のオプションである3年間の海外演奏機会はもうじき終わる。
その後、世界へのチャネルは確保されるのだろうか。
世界規模で見た時、avex-CLASSICSは辻井さんのファン拡大、魅力浸透の機会を損なっているように思える。
これはテレビや歌手伴奏などに引き込む以上に罪が大きいだろう。
(その後、新たな展開があった。次の記事をご参照のこと。)


この自作集のCDについて、日本アマゾンでの評に、辻井さんの”本領は「創作者」であると思う”
という意見があった。
私は、辻井さんの感受性と、それをやすやすと音楽にしてしまう能力、
そしてそれをなんのてらいもなく披露してしまう素直さに大きな魅力を感じる。
また辻井さん本人も、音楽においてクラシックだけを特別視しているわけではないのだろう。
彼はピアノで生きていきたいのであって、
歌謡曲でも演歌でも、ジャズでも同じ音楽として彼は楽しみ、表現する。
私はそれ自体はとてもいいことだと思う。
彼をクラシック音楽という狭い空間に閉じ込める必要は全くないと思う。

しかし以下に述べる2つの観点で私は、
辻井さんはクラシックの世界に軸足を置き、
そこで身を削るような精進をしてほしいと考える。

その一つは、辻井さんのクラシック音楽界における価値は、
いま日本で考えられているよりはるかに高いと、私は思っているからだ。
ホロヴィッツ、リヒテルに次ぐ、恐らくリパッティに匹敵する、
心底人を感動させる音楽性と技術を持っていると思う。
これらの人の残した演奏は、その貧弱な音質にもかかわらず、
世紀を超えて愛され続けているのだ。
辻井さんがきちんと精進し、その結果をきちんと記録して世界に配給できれば
必ずそうなると思う。
私はもっといろいろなクラシックの曲を辻井さんに弾いてもらいたい。
そして歴史に残る決定盤を一つでも多く残してもらいたい。
それは時代を超えて愛されるもの、かけがえのない文化遺産になり、
辻井さんがこの世に生を受けた立派な証ともなるのだ。
その価値から考えれば、何にプライオリティを置くべきか、議論の余地はないだろう。

avex-CLASSICSというレーベルは、辻井さんの歴史的、決定的名盤を残そうという気概があるだろうか。


もう一つは、ここ半年彼が力を注ぎ、関係を深めている映画、テレビ業界とは
上手く付き合ってほしい、それを上手く利用してほしいが、
そこにプライオリティを置くことは非常に危険だ、ということだ。
もちろん一番悪いことは、世に知れないこと、売れないことだ。
しかし辻井さんはもはや十分それを達成した。
これ以上を求め、とりわけテレビ業界と付き合いを深めることは、
かえって彼の音楽家としての寿命を縮めることになるだろう。
言うまでもないが、今彼をテレビで使うのは、
彼が全盲であり、国際コンクール覇者であって実力があり、素直で明るい性格があるからだ。
そして作曲、即興という格好のエンターテインメント性を持っているからだ。
しかし、それがどんなに素晴らしくとも、またその実力を維持していても、
クラシック音楽家としての実力に陰りが見え、全盲であることやその愛すべき性格に飽きられたら、
恐らく潮が引くように関係者は去っていくだろう。
それだけでなく、芸能マスコミから、人気者の末路としての酷い洗礼を受けるだろう。
幸いなことに、彼は劣悪な雑誌やネット雑言を直接見ることはないだろうが。
私はテレビに出るなと言っているのではない。
必要なのは飽きられないように、かといって忘れ去られないように、
十分制御された形でつきあってもらいたい。
そこは決してプライオリティを置くに値する世界ではないということだ。
このことは、このブログの主人公である天地真理さんが身を持って示してくれたことであり、
その後の多くの人気者がたどった末路を見れば、何が賢明かは明らかだ。

私が注文するとすれば、
辻井さんがクラシックの世界に軸足を置き、そこで精進していくためには、
彼の作品をもっとわかりやすく、手に入れやすい形で世界に配信、配給し、
世界のファン、批評家からのフィードバックを受ける仕組みを作ることだと思う。
彼はもっと海外の厳しくも正しい声にさらされるべきだ。もちろん称賛の声にも。
彼の、クライバーンコンクールでの演奏は素晴らしく、
その記録のCDは歴史に残る名盤だと思う。
しかし正直にいえば、それに前後するavex-CLASSICSからのCDには、
部分的に素晴らしい演奏はあるものの、決定盤と呼べるものはまだないと思っている。
むしろコンクール後のライブに、決定盤となりえる演奏があったのではないか。
私は2009
 年12月3日に、下野竜也指揮で読響と共にオーチャードホールで演奏した
ラフマニノフの協奏曲第2番が
とても素晴らしかったと記憶している。
私にとっての、この曲の決定盤、リヒテル=ヴィロツキ盤(1959年)
に比べても、
その重量感と迫力のある音や豪快なリズム、深刻さ、には敵わないが、
引きしまったテンポの中に、はるかに美しい音、はるかに自然で魅力的なニュアンスなどがあふれ、
全体としてみて、十分肩を並べるうる見事な出来だったと思っている。
 
彼の気質、実力を信じるなら、もっとライブ録音を残してほしい。
とんでもない名演が生まれることを期待して、無駄を覚悟で毎回録音してほしい。
そして自作物を残すなら、もっと作った直後のみずみずしいものをこそ残してほしい。
新興レーベルとして、辻井さんに合った努力をしてもらいたい。

今年の11月に辻井さんはカーネギーホールにデビューする。
カーネギーホールはクラシック演奏家にとって特別な意味がある。
クライバーンコンクールに臨む時のように、身を削るような準備をしているだろうか。
そしてその実況録音はきちんと残されるだろうか、
それは世界に配信、配給されるだろうか、
さらには、それへの世界からの批評を、良くも悪くも、彼は受け取ることができるだろうか。
彼はそこで、クラシックの殿堂の偉大さや重さと、
これから乗り越えるべき、やりがいのある壁を感じることが出来るだろうか。
私は注目したいと思う。


最後に、この曲集への私の印象を書き留めておきたい。
この曲集の中では、旧作の
「ロックフェラーの天使の羽」、「セーヌ川のロンド」、「川のささやき」
あたりが、作品としてみた時、独創性や完成度が高いように思う。
だが「風の家」の、どこかで聴いたようなメロディが頭から離れないのも事実だ。
冒頭とエンディングの、種類の異なる「風」を思わせるフレーズが印象的だし、
どこかで聴いたような複数のメロディの断片が流れることで、
風の家で起きた、ショパンを取り巻く幸せな出来事の情景が、
どこかメルヘンチックに、あるいは走馬灯のように
現れては消える、不思議な魅力を持った作品に仕上がっていると思う。
「神様のカルテ=手紙=」では、メロディが見え隠れする語り口のうまさと、
ピアノの音の美しさにほれぼれする。
全体として、イージーリスニング(あるいはヒーリング)的ではあるが、
辻井さんの音楽には、ただ単に心地よい音や和音を並べただけでない、
はっきりとした対象に対する描写力の素晴らしさ、物語的な能弁さがある。
そして「ショパンへのオマージュ」や「それでも、生きてゆく」などを聴くと、
彼が心の目で見たもの、あるいは心の奥底で感じた何かを伝えようとする
力強い意志のようなものを感じずにはおれない。
イージーリスニング的ではあるが、決してイージーでなないものが、
これらの音楽の中には流れていると思うのだが、どうだろうか。

2011年7月22日 (金)

天地真理42 To be modest, have to be harmonious

I would like to add one footnote.
I cannot confidently say yes to the question whether the moderate rubato with less deformation,
which is found in Tsujii's and Amachi's music,
is valuable by itself.
I think the moderate rubato with less deformation is not enough to make music tasty and attractive.

Excellence of Tsujii's and Amachi's music is found in their harmonious sounds and exquisite nuances
which are understated but capture people's hearts.
Paradoxically, attractive sounds and nuances are needed for the music with moderate rubato with less deformation.
In other words, moderate rubato with less deformation maximizes the beauty of the attractive sounds and nuances.

Charm of the sound itself, in Amachi's case, comes from her voice quality and vocalism.
Her voice can sound musically and sweetly even without accompaniment.
And in case with accompaniment, her voice harmonizes especially with the sounds of strings and woodwinds.
I sometimes feel her songs not to be a voice with accompaniments, but to be an ensemble of voice, that is one of the instrument, and accompanied instruments.
I guess that the reason is that her voice resonates well with her body like Stradivarius,
and her voice sequences, which consist of portamento, voice growth and vibrato,
have the similar phrasing of strings and woodwinds.
When she manages this kind of voice sequences, we can easily understand that excessively-dramatic deformation detracts its excellence.

In Tsujii's case, charm of his sound comes not only from his favorite piano and tuning,
but also from the way he hits the notes.
Horowitz could highlight the melody line that he thought the most charming among the complicated sound clusters.
He could make the selected sounds sing throughout the hall,
and make the other sounds waft like delicate flavor or faint background that surrounds the lead character.
He could make the sound of right hand stand out against that of left hand.
Furthermore, he could make one sound of right hand (by little finger or other one finger) stand out against the other sounds of right and left hand.
This was particularly effective in the complicated music with a pile of sounds like Schumann's, Scriabin's and Rachmaninoff's.
This means not only the excellence of his technique, but also his favorable attitude to make such clear sound.
Almost half of the reason that I like his music is in this viewpoint.
And Tsujii can do almost the same way.
I would say, nowadays, he has the best taste and technique in this viewpoint.
His beautiful sounds, that is often pointed out, depend on this characteristic,
along with his excellent touches to each note.
Naturally, the reason that I recognized him as a pianist who succeeds Horowitz
was that I found this characteristic in many phrases of his performances.

With respect to nuances, Amachi uses portamento, choking (bending in guitar technique), short appoggiatura and rubato in her singing.
And they express the heart of herself.
Tsujii uses rubatos and the change of sound volume and quality to make exquisite nuances.
But it must be remembered that his rhythm is quite excellent.

I sometimes feel unattractive with the rhythms in key phrases that are played by mechanically excellent pianists.
I think the excellence of rhythm appears in how to play dotted notes.
I should not say "excellence" but "preference".

When we use a dotted note, the sound of one in length is divided into two sounds with the ratio of 0.75:0.25, according to the musical score rule.
But if you play as it is, it will be a little dull.
It should be played with the ratio of 0.8:0.2, or 0.85:0.15 for crisp rhythm.
I sometimes hear that some pianists play in an opposite way.
This type of pianist tends to play other rhythm dully.
It means, for example, dull staccato and dull rubato, etc.

I have read a book that introduced Horowitz.
It was written that Horowitz has "excellent rhythm", and introduced his Pathetic Sonata for example.
I was absolutely enchanted by his rhythm in it.
This is a beginning part of the first movement of Beethoven's Pathetic Sonata.

 

 

(The full playing is here.)
I do not discuss here whether this performance is suitable for Beethoven or not.
At least, you can find the "excellent rhythm" in it.

This may be a little too extreme,
but I can find almost the same excellence of rhythm in Tsujii's music.
Such sense of rhythm is found not only in the rhythmic finale,
but also in slow rubatos and singing of melodies.
I think excellent rhythm is necessary for charming rubatos and nuances.
Because a rubato is the fluctuation of tempo, fine rhythm fluctuations determine the charming rubatos.
And nuances consist not only of the produce of sound, the change of pitch and articulation,
but also of the timing of phrase start and sound change.
As I admired Amachi's rhythm in the previous article,
excellent rhythm is involved in the elegant, natural, resonate nuances.

People who knows Horowitz think that Tsujii is a quite different type of pianist.
But surprisingly, I feel some common fascinations from each other.
And I think they relate to Amachi's in the basics, too.

2011年7月10日 (日)

天地真理40 Nobuyuki Tsujii (English)

Please let me talk about Nobuyuki Tsujii, the most fascinating pianist for me today.
He has been featured on television as a blind pianist.
I am a little bored with some parts of these shows.
But I feel I have found it at long last.

Vladimir Horowitz was my idol.
I listened to his two Japan tours in spite of the extraordinarily high entrance fee.
My second favorite is Sviatoslav Richter.
The only active pianist whom I hoped to hear in concert was Arcadi Volodos.
They were invaluable pianists who helped me to discern classical piano music.
I will leave off discussing further about these pianists, so as to keep this piece from becoming too long.

I was fascinated with Horowitz in the late 1970s, in my high school age,
when Mari Amachi (one of the most famous Japanese singer in 1970s and the heroine of this blog site) appeared on TV less frequently and I lost attention.
After that, somewhere down the line, I hoped to find another idol to succeed Horowitz.
It has almost been twenty years since the last sleep of Horowitz in 1989.
I was eager to find pianists who really enchant me
and who will help me to develop the interest in piano music that Horowitz had instilled in me.

However, it was a lot of disappointment.
I like Lipatti, Rubinstein and Kempff modestly.
But they were far from Horowitz.
I have listened to competition winners (including second-prize winners):
Ashkenazy,Pollini, Argerich, Zimerman, Dang Thai Son, Bunin, etc.
I knew child prodigy, Sgouros, Kissin, and Hamelin, Lang Lang, etc.
Of course I sometimes felt their performances were great.
But they couldn't be my idol, someone whose music I would be eager to listen wherever and whenever.
Before long, I almost gave up the search because my ears had listened to the unique sound of Horowitz so much that I could not accept those of other pianists.

At last, there was the Van Cliburn International Piano Competition in 2009.
Because of my past experiences, I did not pay very much attention to this competition.
Even when I heard about the victory of a blind pianist, I felt it's only a heartwarming story.
But when listened to the performances of Nobuyuki Tsujii on the competition's website
as well as his past performances on YouTube,
I became heartily fascinated with his music.
We can still watch and listen to his performances in the competition at the website .
His style seems very far from Horowitz's
-- the difference is as great as that between Mari Amachi and Hibari Misora (both are famous Japanese singer),
but it really charms me.

To be honest, not all of his performances satisfy me.
It is the same with Horowitz.
Some pieces seem to me less proficient.
But I think the following three pieces at least are superior, even compared with any pianists listed above.
They are really irreplaceable.
Fortunately or unfortunately, Horowitz didn't leave recordings of these pieces.


The first piece is Chopin's etude Op.10-1, played at 15 years old on Hiroshi  Kume's TV news program.


The recording is a little noisy, but its remarkableness can be heard clearly.
It was said in the old days that there was a poem in the scales of Horowitz.
This is exactly like that.
Tsujii did not play it in a conspicuously raging way like most prodigy pianists.
Because his physical ability was still under development, the tempo is rather slow, by competition standard.
Actually, he played it faster in the Cliburn Competition.
I could feel that his touches are very stable and firm.
It means that he has a steady attitude for the future, and has been advised by excellent coaching.
It also indicates that he can also surely become superior compared with other prodigies of the day.

Most of all, the expressions from around the seventh up-down scale are extremely remarkable.
I have no time to consider the meaning or scene of this music.
Instead they directly shake my mind with fluctuations generated by the pure sound sequences.
He doesn't use excessive rubato or exaggerated deformation.
The slight rubato, slight dynamics, and slight coloration change make the music so touching.
Etudes, especially for this kind of scale etudes, usually need no shows of emotion.
But I think such suggestion might be said by person who could not play like this.
Even compared with the amazing performance of Pollini -- who gained prominence by Chopin's Etudes,
the difference and the magic are obvious to me.


The second piece is Liszt's La Campanella, played at the Cliburn Competition.


I loved this sentimental theme, so I had a chance to listen to the performances of this piece by eleven pianists.
But I couldn't be satisfied at all.
Their fantastic speed and brilliant jumps could only tickle my taste for piano acrobatics.
This performance by Tsujii attained what I had expected for this piece for so long.
In the face of torturous jumps and trills, he easily overcame them and they came together beautifully in a fluid stream of music.
More over,  each pearl of tone springs from the flowing music stream to strike my heart.
As it was a live performance, there were some wrong notes struck,
but it moves me to tears nevertheless.
I think it is the best performance ever.

Other pianists may play those two pieces successfully by perfecting the technique mechanically.
Tsujii, instead, not only displays his technique at the highest level,
but also adds to it nuances that are so natural, rich and varied that they grab my heart.


The third piece is Chopin's Piano Concerto No. 1, also performed at the Cliburn Competition.
Let me introduce the famous theme in the 1st movement.


Other pianists would play these fascinating passages more intensely, more sentimentally.
I have actually heard these expressions sometimes in other pianists' performances.
I, however,very much  appreciate Tsujii's exquisitely-chiseled expression with slight but precious rubato,
consisting of the subdued but shimmering sounds of the Steinway piano.
In playing the melancholic melodies, his balance of the strength in the right and left hands is perfect.
His sounds are incredibly beautiful and they directly pierce deep into my heart.
Furthermore, his melancholic expression is not so depressing but instead somewhat cheerful,
and it contains a hope for salvation.
It was a big surprise to me that I felt so fresh and so genuinely moved,
when I heard this performance of a familiar melody that I had heard many times before.

Once I have become fascinated with this kind of expression by Tsujii,
I feel that any other expression is garble, tarnished by needless conception or exaggeration.

I don't mean his sounds have no nuances.
In fact they are full of soothing nuances.
The nuances are far from dramatic deformation,
but are definitely built upon a good balance between moderate rubato and Chopin's melody itself.
As critics and instructors in classical field often say,
such balance, instead of dramatic rubato, must maximize the goodness of the piece.
Actually it's difficult and rare.
But he did it in this performance in the ultimate way.

This sense of beautiful vibrancy fills up all three movements of this piece, with superb rhythm.
I appreciate the rhythm and aggressiveness in the finale, too.
This is a historical masterpiece.
It doesn't seem an exaggeration that at the competition, the judges and members of the orchestra were brought to tears by this performance.
I can imagine experts who had heard tremendous performances,
as well as beginners for classical piano music, were moved with the vivid impression.

He makes the piano sing and he adds excellent nuances especially to the pieces that are rather difficult to sing.
And he maintains moderation and excellent balance, for the pieces which already have a lot of melodious phrases.
Both of them are not tasteless nor mawkish, but they bring forth musical and acoustic beauty.
Tsujii's way of expression is rather different from Horowitz's.
So he rekindled in me a new affection for piano music.

I think his live performances are far better than studio recordings.
The other day I watched a recording session of his composition "A Morning in Cortona" on a TV show (the "Takeshi Art-Beat" show - June 8 2011).
The music director gave Tsujii suggestions, and he played the piece again and again in an empty hall.
I would recommend that he records his performances just once, in a hall full of audiences.
Then he will make the best performances of the pieces.
I hope that no music directors or professors would try to influence his musical sensibility.


After I wrote so far, I read an interesting consideration that Hikokigumo-san wrote.
He describes Mari Amachi played Chopin and Bach with different approaches.
Then I became aware that Tsujii's expression, excellent nuances for etude and moderate balance for concerto,
is something like Mari's approach, emotions for Bach and simplicity for Chopin.
It also reminds me of her rich nuances for optimistic songs and her restrained sentimentalism for pessimistic songs.
I think it is common basic characteristic for musical expression.
Such "Mari Amachi's aesthetics" is not exclusively for her but should be pursued as one of the ultimate harmonious music style.
That is what Tsujii's performances let me realize undoubtedly.


According to Maho's Tweets, a daughter of Mari,
Mari Amachi listens to Tsujii's CDs almost every day.
And Maho herself heartily loves Tsujii's piano performances.
I wonder how they feel to listen to his music.

Meanwhile, Tsujii-san said in an interview that he liked ladies of a good voice.
I'm sure he will instantly fall for Mari Amachi's songs.

2011年7月 5日 (火)

天地真理39 辻井伸行さん

ピアノの話題ついでに、私が今最も注目しているピアニストについて触れさせていただきたい。
辻井伸行さんである。
全盲のピアニストとしてテレビでも取り上げられ、
その取り上げられ方が、少々食傷気味な部分もあるが、
私としては、やっと見つけた、という思いがある。

私はホロヴィッツ(Vladimir Horowitz) というピアニストが好きだった。
2度の来日公演を2度とも、高額の入場料をものともせずに聴きに行っている。
次に名前を挙げるとすればリヒテル(Sviatoslav Richter)だ。
現役ではヴォロドス(Arcadi Volodos)だけが、コンサートを聴きに行きたいと思える存在である。
これらのピアニストのことを語り始めると長くなるのでやめるが、
クラシック音楽、ピアノ音楽の魅力をわからせてくれた
かけがえのないピアニストである。

私がホロヴィッツを知ったのは高校生の終わり頃、1970年代後半で、
天地真理さんのテレビ出演が減り、私の真理さんへの注目も薄れていった頃に符合する。
その後いつの頃からか、私はホロヴィッツの後を継ぐ、
熱中できる、心底いいと思えるピアニストを探すようになった。
ホロヴィッツは1989年に亡くなっているから、
そこから数えても20年になるが、彼の晩年のころから、
せっかく知ったピアノ音楽の良さをさらに深めてくれる新しい偶像を見つけたいと思っていた。

ところがこれが落胆の連続だった。
リパッティとかルビンシュタインとかケンプとか、
そこそこ気に入っているピアニストはいる。
しかしホロヴィッツほど寝食忘れて没頭するというのには程遠い存在だった。
コンクール路線でいけば、アシュケナージ、ポリーニ、アルゲリッチ、ツィマーマン、
ダン・タイ・ソン、ブーニン等々、
神童路線でいけば、スグロス、キーシン、
その他、アムラン、ランランなど。
もちろん曲によっては、また部分的には凄いと仰天することは多々あるが、
ホロヴィッツの時のように、何があっても見たい、聴きたいという欲求が生まれる存在にはならなかった。
私はいつしか、ホロヴィッツという個性の強いピアニストを好きになってしまった代償で、
もはや他のピアニストは聴けない耳になってしまったのだろうと半ばあきらめていた。

それが2009年のヴァン・クライバーン国際ピアノコンクールで一変した。
元々上記のようにコンクールあがりのピアニストで心底好きになれた人はなかったので、
このコンクール自体にも注目していなかった。
全盲のピアニストが優勝したというニュースを聴いた時点でも、
微笑ましい快挙だというぐらいの受けとめ方だった。
それが、コンクールの模様を伝えるインターネットサイトを訪れて実際の演奏を聴き、
またYouTubeで過去の辻井さんの演奏を聴いて、虜になった。
コンクールの模様は今日現在でも、コンクール主催のサイトで視聴することができる。
それは、ホロヴィッツの路線とは一見程遠い、
それこそ美空ひばりさんと天地真理さんぐらい違うものだったが、
その音楽に心底惹きつけられた。

正直に言って私は、耳に触れる彼の演奏のすべてを素晴らしいとは思っていない。
それはホロヴィッツの演奏でも同じだが。
辻井さんには、まだ未熟だと感じる部分もある。
しかし次にあげる3曲は、上にあげた幾多の演奏家と比較しても凌駕している、
かけがえのないものと言えるものだ。
ホロヴィッツはこの3曲は残していないが。


まず辻井伸行さんが15歳の時、久米宏のニュース番組に出演した時に演奏した
ショパン練習曲Op.10-1。

音が割れていて聴き苦しいところがあるかもしれないが、
その音楽の良さははっきりとわかる。
昔ホロヴィッツは音階を弾くだけで詩があったと言われたが、
この演奏がまさにそれだ。
神童と呼ばれるピアニストによくある、これ見よがしの、
やみくもに怒涛のような演奏ではない。
テンポはむしろ、現代のコンクール仕様からすれば遅めだ。
これは彼がまだ15歳で、肉体的に発展途上のためであって、
彼自身20歳の時のコンクールでは、もっと速く弾いている。
将来を見据えて、決して弾き飛ばさない姿勢がうかがえ、
指導者の良さも垣間見えるし、どんなにその時点で凄い神童よりも末恐ろしさを感じる。
そして何より、上昇下降を繰り返すフレーズの7回目あたりからの表情付けが凄い。
音楽の意味とか情景とかを考える余地のない、
純粋に音の連なりとしての音楽のゆらぎに、直接的に心が揺さぶられる思いがする。
いたずらに感傷的に、ルバートを多用してデフォルメされているわけではないのに、
ちょっとした強弱、ちょっとした音色変化にほろりと来る。
本来練習曲であって、過剰な表情付けは避けられるのだが、
これを聴くと、そんなことを言ったり指導したりする人は、
このように素晴らしく弾けない人が言うことだと思えてくる。
例えば、この練習曲集で一躍有名になったポリーニの演奏と比較すると、
それも文句なく凄いのだが、その違いと魅力は、私には明らかだ。


2曲目は、ヴァン・クライバーン国際ピアノコンクールで弾いた、
リストのラ・カンパネラである。

私はこの主題の魅力に惹かれて、11人の奏者による、この曲だけのCDというものを聴いたことがある。
ところがどの演奏にも全く満足できなかった。
スピード感や跳躍が凄いものはもちろんあるが、それはいわば曲芸としての面白さだ。
ところが辻井さんのこの時の演奏で、やっとこの曲に求めていたものに出会えたような気がした。
拷問のような跳躍や装飾をものともせず、いやそれらが冴えわたっているにもかかわらず、
それらを見事に音楽の流れに引き込んでいる。
しかも音楽がすっきりと流れているにもかかわらず、
その珠玉の一音一音が心に突き刺さってくるような美しさを放っている。
ライブだからもちろん傷はある。
しかしこれは感涙ものの、名演中の名演だと思う。

上記2曲は、技術一点張りの、ロボットのような演奏をおこなっても
それなりに聴こえる要素を持った曲だが、
そんな曲であればある程、
技術では決して引けを取らない冴えを見せていながら、
自然だが人の心をとらえてしまう豊かなニュアンスを盛り込んでいる。


3曲目は、同じくヴァン・クライバーン国際ピアノコンクールで弾いた、
ショパンのピアノ協奏曲第1番だ。
第1楽章の有名な主題の部分を聴いてみよう。

この魅力的な主題のメロディーを、もっとえぐるように、
もっと感傷的に弾くことは可能だろう。
実際そのような演奏は多々ある。
しかし私は、この、わずかにかかったルバートの上に、
一音一音、どちらかといえば端正に、しかし慈しむように乗せられた
底光りするSteinwayピアノの音が生み出すショパンの旋律がこの上なく気に入った。
しかも、この曲に現れる哀愁を含んだ多くの旋律が、
左手と右手の絶妙な音量バランスの中で、
耳から直接心の深い所に突き刺さってくるような、
今まで聴いたことがないほど美しい音で奏でられ、
しかもその哀愁が、どん底に落ち込まない、どこか朗らかで救いがある響きに満ちている。
何度も聴き馴染んだこの旋律が、これほど新鮮に、これほど純粋に聴こえることに驚いた。
これを気に入ってしまうと、
大抵の演奏が、どこかゆがめられた、無用な思惟に汚された、鼻につくものに聴こえてきてしまう。
私は彼の演奏するショパンにニュアンスがないと言っているのではない。
むしろ心地よいニュアンスにあふれているのだが、
それは無理につけたデフォルメ的ニュアンスでなく
抑制の効いたルバートと、曲自体が元から持っている音の連なりとがぎりぎりの均衡を持って
流れることによるものだ。
恣意的なルバートで崩すよりも、ぎりぎりの均衡を保った方がその曲が生きるという、
クラシックの世界ではよく言われることを、本当に、究極の形でやって見せてくれたというべきだろう。

このような素晴らしい響きが、素晴らしいリズムとともに、3楽章すべてにわたってちりばめられている。
情感のある表現だけでなく、フィナーレのたたみかけるようなリズムと迫力も素晴らしい。
私は歴史に残る名演だと思う。
楽団員や審査員が涙したというのも、私は大袈裟ではないと思っている。
今までピアノ音楽を聴いたことがない人にも、おそらく感動をもたらすと思うが、
コンクールなどで聴き飽きるほど聴いてきた人々にとってこそ、
これは鮮烈に響いたことが想像できる。

ニュアンスをつけにくい曲、歌いにくい曲ほど見事にニュアンスをつけ、歌い、
曲自体にニュアンスにつながる節回しが元々ついていて、
自ずと感傷に流れやすい曲では、ぎりぎりの抑制のもとで、見事な均衡を保つ。
それがいずれも、無味乾燥でなく、かといって感傷に流れすぎず、見事な音楽美、音響美となっている。
ホロヴィッツのショパンは決してさりげなくないのだから、
これは私としては、ピアノ音楽の今までにない聴き方、魅力の感じ方を教えてもらった気がする。

辻井伸行さんはこれまでのところ、ライブの方が圧倒的にいい。
先日テレビで自作の曲を録音する様子が放映されていたが、
音楽ディレクターがあれこれ注文をつけて無人のホールで録り直しをしていた。
観客のいるホールでの一発勝負で録音した方がはるかにいい音楽が録れるだろうに。
妙な音楽ディレクターや、善意で教えてくれる先輩ピアノ教授の感性にゆがめられないことを私は祈りたい。

私はここまで書いてきて、
ひこうき雲さんが、天地真理さんのピアノ演奏について、
バッハとショパンへのアプローチが異なるという
興味深い考察をされている記事を読んだ。
辻井さんの、練習曲へのニュアンス付けと、協奏曲での抑制と均衡の効いた表現が、
真理さんの、バッハでの情感と、ショパンでのさりげなさに通じる、
ひいては真理さんの歌における、
明るい曲での「豊かな情感」と、悲しげな曲での「感傷におぼれない」表現に通じる、
音楽を作る上での基本的な共通点であるように思えてきた。
そんな「天地真理さんの美学」は、決して特異なものではなくて、
美しい音楽の究極の形の一つとして、追及されてしかるべきものだということが
辻井伸行さんの演奏を聴くと、よりはっきりとわかるように思う。

Twitterで真保さんが教えてくれたところによると、
真理さんは毎日辻井さんのCDを聴いている(時期があった)し、
真保さんも辻井さんのピアノが大好き、とあった。
辻井さんの演奏を聴いて、真理さん、真保さんが抱く思いはどのようなものか、
聞いてみたい気もする。

一方、辻井さんはあるインタビューで、声のいい女性が好きと言っていた。
私には、辻井伸行さんが天地真理さんの歌声を聴けば、
間違いなく好きになるという確信がある。

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