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2012年12月

2012年12月19日 (水)

クリスマスソング 牧人ひつじを

おまけで「牧人ひつじを」をお届けする。
この曲は前回紹介した楽譜に載っていなかったので、自分で編曲してみた。
ついでにこの曲のみピアノ版もお届けする。

オルゴール版全13曲連続再生はこちら →また来年

 

オルゴール版 →また来年

 

ピアノ版 →また来年

2012年12月15日 (土)

クリスマスソング by オルゴール

あるきっかけで見つけたクリスマスソングの楽譜が大変素晴らしく、
いつかご紹介しようと思っていた。

「ミッキーとうたおう クリスマスソングブック」
  出版:ヤマハミュージックメディア

非常にシンプルだが完璧な和声で、実にいい響きを生み出していると思う。
ピアノで弾いても心地よいが、オルゴール音でMIDIを作ってみた。

全部で12曲ある。

クリスマスまでの期間限定でお届けする。


  オルゴールのVSTi音源:Old Music Box

全曲連続再生はこちら  →また来年

第1曲目
↓ →また来年

2012年12月 8日 (土)

Nobuyuki Tsujii Japan Tour 2012

I used to listen to the rendition of Tsujii-san by CDs, DVDs, on TV and internet.
And this time, for the first time, I got a chance to listen at his live concert.
As I wrote in the previous articles on this blog, I’m very interested in Nobuyuki Tsujii, a Japanese pianist.
Therefore, I attended the concert with a great expectation and a slight anxiety to get disappointed.
As was pointed out on an article somewhere, there were many ladies of middle age.
It made me more anxious.

That concern proved unfounded and what’s more, I experienced a wonderful music which is far different from that on CDs or TV.
After this concert, sadly, I felt the sound of CDs as something unsatisfied.
It is beautiful and well-organized, but just like miniature garden and less interactive with audience.
That is how much the absolutely stunning power of his rendition overwhelmed me.


First of all, he had achieved torrential speed.
After the Chopin and Cliburn competition, he had stepped up his rendition power further.
I felt some pieces to be too fast.
But I think it is acceptable for his age.
It will be the next highlights how he settles down in his 40s and 50s.

Visually, his hands worked fast, of course, and his head moved around a lot, as everyone knows.
But the black part of his clothes, that was from his  shoulder to feet and elbows, was very stable.
It moved less but was not rigid.
It seemed relaxed, natural, and capable to handle anything on the keys precisely.
His posture reminded me of a legendary pianist, Lazar Berman, whom I saw at NHK Hall.
The manner of music and a quality of sounds are quite different each other.
But both had a slight stoop and could play stiff pieces effortlessly.
Their postures were visually very similar.


The first half of the program was Debussy and the last was Chopin.
I’m not familiar with the pieces of the first half and too familiar with those of the last.
I was anxious about whether they could be enjoyable.
But by the first piece, he drew me into his music world.
I was afraid that blind pianists tended to play with small volume and less contrast.
But such concern turned out to be groundless.
His vibrant touch generated ringing sounds throughout the hall.

During the first piece, several audiences were coughing gallingly.
But in the next pieces, insidiously, they fall into silence.
All of the audiences seemed to concentrate into his music.

As the program progressed from Arabesque to Bergamasque and Estampes, diverse vibrancy became richer.
I wondered what he did in the last passage of Menuet.
The vibrancy of glissando there was so airy-fairy and wondrous.
His Clair de Lune had mystical vibrancy and was firm, far from saccharine.
Magical touch generated extremely diverse vibrancy in Estampes.

In L'isle joyeuse, a good stiff piece with many trills and crossing arms, he prolonged the first trill and made a breathtaking pause after that.
It had an air of patina and it drew us into the mystical world of this piece.
I knew this piece had some length but he played so exhilaratingly that it ended all too soon.


The first piece of the last half was Chopin waltz No.1.
By this one piece, he proved that he could express the amusingness of Chopin’s music in front of the audience.
He seemed to have self-confidence for that with his cheerful and a little mischievous nature.
In the pieces of Chopin, pianists must have the courage to represent extemporaneity and ever-changing phrasing without hesitation.
In addition, such rendering must move the heart of the audience.
By this piece, which I had been getting bored with and rarely had voluntary to listen to, he succeeded in both points.

I was impressed with scherzo most in the concert.
It was so imposing and had moral tone of virtuoso.
From the start, overwhelming sound and its quality thrilled me.
The fortissimo was so powerful that it might shake the walls of the hall.
Yet, it was well-controlled and listenable.
He played this piece with brisk rhythm, various tone color, rich vibrancy, exquisite pause and elegant nuances.
Above all, sounds were vividly sparkling.
I could understand the reason why audiences crowded to his concerts.
Those sounds cannot fit inside CDs.
I got to hope to come to his concert again.

Frankly speaking, it is a great challenge to play Polonaise Fantaisie in 20s.
This is one of my best pieces written by Chopin.
What image did he have when he was playing this piece which was full of caprice, somber and textured?
I hope he will continue this challenge over 40s and 50s.

Heroic Polonaise divides my opinion whether I like the pianist or no.
This piece reveals the manner of rhythm of the pianist.
I came to like his Heroic Polonaise since I listened to his debut CD.
The sound of the octaves in the middle part was admirable.
And furthermore, I especially impressed by the next soft part.
I was sometimes disappointed by the technically remarkable pianists who could not play such gradual part attractively.
I can say for sure that the pianists who are loved and can keep popularity for a long time are ones who can play such gradual, somber, songlike part fascinatingly which exists in almost all the pieces.
The pianist who cannot develop musical charm in such part would be lost interest and disappear.
Tsujii-san played this part with penetrating sound and admirable nuance.
I was persuaded that this pianist was beyond a temporary or fashionable star.


In an encore, he played Chopin’s 'Tristesse' and ‘Revolutionary’ etude, and of his own composition, theme from “Still we live” and Flowers Bloom.
'Tristesse' etude was one of the reasons I came to like him, too.
His 'Tristesse' today is not a heartbreaking farewell but a parting with hope and another chance.
Even so, I like his manner of singing, that is, sharp rhythm, firm phrasing and some instances that bring tears to my eyes.

Last of all, I would like to refer to the theme from “Still we live”.
I know there exists a certain argument about his own compositions.
I myself don't listen to his own pieces frequently.
I took it only as a lovely piece which represents his warm thoughts in his own way.
He composed this piece thinking of the Great East Japan Earthquake, and the hall was just where he was when the earthquake occurred.
So it might be all because he let this piece have it all.
The piece which I have listened to several times by CD and TV sounded significantly different to my heart.
In objective terms, the melancholy melody by right hand deeply spread all over the hall and subtle, faint background-like accompaniment by left hand was in perfect harmony with the melody.

I felt the the real strength of the piano as a musical instrument, too.

I thought this was a kind of music which we could not listen to by CDs.
Unlike the sound of CD, which was not taken by ear of the player but by microphone, the sound I met there was what came into existence by interaction with the sound reflected to the pianist and a sense of existence of audience.
I used to have an impression that the piece was a kind of soft, soothing music.
But the melody rendered by him had a power of driving through my heart uncannily and swayed me emotionally.
It has stringency enough to extend his mind directly.
He has an exceptional ability to demonstrate extraordinarily magical power especially when he is in front of an audience.

Mass media sometimes touts him as a “blind” pianist.
And some critics indicate his blindness as a psychological advantage to an audience.
What I was convinced after this concert was that it is a trifle to think “he is wonderful in spite of blindness” or “I emotionally have a good feeling toward his childhood and growing up”.
If ever he has an advantage to be blind, it is that he has been given many times more stringency to convey something by music, to communicate with audience by sound, to send something invisible to someone’s heart than any other pianist because of his blindness.
I realized we can totally enjoy this characteristic especially in his live concert.

2012年12月 7日 (金)

辻井伸行 日本ツアー2012 鑑賞記

CDやDVD、テレビ、インターネットなどでは何度も聴いていたのだが、
今回初めて辻井伸行さんのコンサートを生で聴く機会を得た。
以前このブログでも取り上げていたように、
今非常に注目しているピアニストであるがゆえに、
大きな期待とともに、その期待が裏切られるのではないかという、
少々不安な気持ちを持って臨んだ。
会場に入ってからも、以前どこかで見かけた記事の通り、
中年の女性が非常に多い観客構成にも不安が募った。

だが実際に聴いてみて、そのような不安が吹き飛ぶどころか、
CDやテレビで見聴きするものとは別物と言っていいほどの、
素晴らしい音楽を体験させてもらった。
我が家の音響システムが貧弱なせいがあるかもしれないが、
またピアノや弦楽器などのアコースティック楽器の宿命でもあるのだろうが、
CDで聴く音楽が箱庭的な、小奇麗に飾られ過ぎた、
細部までよく聴こえるが聴き手との相互作用の薄い、
物足りないものに感じらるようになってしまってもったいないと思うほど、
このピアニストの演奏者としての威力に打ち負かされてしまった。

全体の印象として、まず圧倒的なスピード感がある。
ショパンコンクール、クライバーンコンクールを経て、
さらに1段も2段も演奏力が向上している。
曲によっては速すぎると思えるものもある。
私はこれくらいの若さでは、これくらいのスピード感があっていいと思う。
これが40代、50代でどう取捨選択され、落ち着いていくか、
それがまた聴きどころになるだろう。

視覚的印象だが、指が良く動くのは当たり前だが、
そして例によって頭が良く動くのだが、
肩から足まで、そして腕も肘のあたりまで、
要するに黒い衣服の部分がほとんど動かないのだ。
動かないからと言って懲り固まっている風ではなく、
実にリラックスした、自然な、しかし鍵盤上のことの何にでも正確に対応できそうな、
実に安定感のある形だ。
私はそれを見て、以前NHKホールで見た、
Lazar Berman というピアニストを思い出した。
音楽のタイプ、音の美しさなど、作り出す音楽の魅力の質はかなり違うが、
ちょっと猫背で、どんな難曲も当たり前のように弾いてしまう、
その姿に視覚的類似点を感じた。

プログラムは前半がドビュッシー、後半がショパンだった。
私自身、前半のものはあまり聴き馴染んでいない曲、
逆に後半のものは聴き込み過ぎている曲で、
いずれの意味でも楽しむことが出来るのか、不安があった。

しかし一曲目、ドビュッシーの「アラベスク」で、このピアニストの世界に引き込まれた。
目の見えないピアニストは、音量が小さかったり、音色のコントラストが小さいのではないか、
との不安感があったが、それは杞憂に終わった。
タッチがしっかりしているのだろう、
歌う部分では個々の音が実に良く鳴っていて、ホールに心地よく響き渡った。

それでも、この1曲目を弾く間は、数名の観客の咳払いが、
少々気になるほど入れ替わり立ち代り聞こえていた。
それが2曲目、3曲目と進むううちに、ふと気づくと、そのような咳が一切聞こえなくなっていた。
まさしくホール全体が辻井さんの音そのものに引き込まれ、集中していっている、
そんな感じだった。

「ベルガマスク組曲」、「版画」と進んでいくにつれて、
音の響きの多彩さが、
より鮮やかになっていった印象を持つ。
「メヌエット」の最後のグリッサンドは、一瞬何をやったのかと思うような、
軽やかで不思議な音色だった。
「月の光」は、神秘的な響きと、甘ったるくない引き締まった表情が非常に魅力的だった。
版画に至っては、魔術的タッチといってもいいほどの多彩な響きを聴くことが出来た。

「喜びの島」はトリルと両手交差が飛び交う難曲だが、
出だしのトリルを長く引っ張って、その後オヤッと思うほどの間を置くなど、
いきなりこの曲の妖しい世界に聴衆を引き込む風格のようなものがあった。
その後はまさしく腕が鳴るといった感じの爽快感あふれる演奏で、
かなり長い曲のように思っていたのだが、あっという間に終わってしまった。

前半の印象が良かったために、後半の聴き慣れたショパンの出来はどうかと余計に心配になり、
しかも1曲目がワルツ第1番ということで不安も大きかったが、
ショパンの世界に聴衆を引き込む自信があったのだろう、
この人の陽気で、お茶目なところがある性格の良さがそのまま出たような、
そして弾き手によってその魅力が大いに左右されるショパンの音楽の良さを
見事に演じて見せた、と思えるほどのすばらしい出来だった。
辻井さんはこれ1曲で、ショパンの面白さを実演で示せる器を持っていることを示してくれたように思う。
ショパンでは個人の嗜好や経験に基づいた即興性や自在さを、ためらうことなく発揮する勇気が必要だろう。
そしてそれが奇妙な独りよがりでなく、聴衆に受け入れられ、聴衆の心を揺り動かすことができるかどうかだ。
もう聴き飽きて、自分からはまず聴こうとしないこの曲で、
辻井さんはその両方に成功したことを印象付けてくれた。

そしてこの演奏会で私が最も感心したのが、
次のスケルツォ第2番だった。
巨匠の風格さえ感じられる、実に堂々たる演奏だった。
冒頭から、その音の迫力と質にまず感激した。
そのフォルティッシモの音は、ホールに響き渡るというよりは、
ホールの壁を揺るがす
ほど、ドーンと響く迫力で、
しかもそれが見事にコントロールされ、音響としてきれいだった。
スケルツ
ォはイタリア語で「冗談」を意味し、「諧謔曲」と呼ばれるらしいが、
おどけておかしみのある
、気のきいた冗談、という意味に、
少々深刻な香りを加えたような、
急速で快活なこの曲を、
辻井さんは小気味良いリズム、鮮やかな音色変化、響きの豊かさ、絶妙の間、品のいいニュアンスで弾いた。
そして何より、音そのものが生き生きとはじけていた。
おそらくショパンコンクールに出た頃から実演で弾き込み、
磨き上げてきたのだと思うが、
この1曲だけでも、このピアニストの演奏会が常に超満員になる理由がわかる気がした。
これは決してCDなどに入り切る音ではないだろう。
最後の1音に至るまでの構成感も見事に仕上がっている感じだ。
この人の演奏を、またいいホールのいい席で聴きたくなる、
そんな思いを強くさせられた。

20代で弾く「幻想ポロネーズ」は、はっきり言って大きな挑戦だろう。
私がショパンの曲の中で最も好きなものの一つで、
その一見気まぐれに進んでいく、地味な中にも何とも味のあるこの音楽を、
このピアニストは今、どのようなイメージで弾いているのだろう。
ぜひともこの挑戦を続け、40代、50代と弾き込んで行ってもらいたいと思う。

私は「英雄ポロネーズ」の弾き方で、そのピアニストへの好みが大きく分かれる。
この曲で、その人のリズムの取り方の癖がわかってしまうからだ。
そして以前CDで聴いたときから、私は辻井さんの弾く「英雄ポロネーズ」が好きになっていた。
だからこのプログラム最後の曲は安心して聴くことが出来た。
中間部以降の、左手のオクターブの響きも良かったが、
私が一番好印象を持ったのが、それに続く、少し静かになる部分の歌い方だった。
超絶技巧を誇る幾多のピアニストを聴くたびに、
この緩徐楽章的部分のつまらなさ、退屈さにがっかりさせられた。
そして真に聴衆から愛され、長くその人気を保てるのは、
様々な曲の中にほぼ必ず存在する、
このような静かな、一見地味な、そして歌のある部分のうまさなのだと、
私は自信を持って断言できる。
そのような部分に音楽的魅力を出せない音楽家は、必ず飽きられ、消えてゆく。
辻井さんはこの曲のこの部分を、ホール全体によく通るほどの、
やや大きめの芯のある音で、浪々と、実に魅力的なニュアンスで弾いてくれた。
これを聴いて私は、このピアニストは、決して一過的な話題性だけでもてはやされる音楽家ではないことを確信した。

アンコールは、
ショパンの「別れの曲」、「革命」、
そして自作曲の「それでも、生きてゆく」、「花は咲く」だった。
「別れの曲」も私がこのピアニストを好きになった決め手となった曲の一つだ。
今のこのピアニストの「別れの曲」は、決して悲しい別れではなく、
また会える、希望に満ち溢れた「別れ」だが、
緩やかだがシャープなリズム、引き締まった、しかし時にほろっとくる表情など、
私はこの曲における彼の歌い方が好きなのだ。

さて「それでも生きてゆく」だ。
辻井さんの自作曲に賛否があることは知っている。
私自身彼の自作曲のすべてを好んで聴くというほどではない。
この曲についても、彼の思いは伝わってくる良い曲ではあるが、
彼の曲に良く出てくるある種の癖のようなものがやはり感じられる、
彼らしいと言えば彼らしい、愛すべき小品だ、というぐらいの認識だった。
これは東日本大震災のことを思って辻井さんが作った曲で、
また今回のホールが、3.11の東日本大震災当日に辻井さんが居合わせた場所だった、
ということもあったための、入魂の演奏だった、ということもあったかもしれない。
テレビやCDで何回か聴いたことがあるこの曲が、
はっきり言って、それらとは別物の音楽として私の心に響いた。

客観的に記述するならば、
ホールの隅々まで響く、憂いを持った右手の旋律と、
非常にかすかに、淡い背景のように絶妙に響く左手の伴奏音との、
見事な調和のもとに進んでいく音楽、ということになるが、
ピアノという楽器の底力を聴いた思いもする。
これもCDなどでは絶対に聴けない類の音楽ではないかと思わされた。
演奏者の聴く音とは異なる、マイクで拾った音として伝わっていくそれらの音楽と異なり、
同一空間で、演奏者の耳に戻ってくる音と、そこにいる聴衆の存在感とのフィードバックの中でしか成り立ち得ないと思える、
実に見事な響きだった。

静かな感じの曲という印象を持っていたが、朗々とを持って響く音によって、
旋律が異様なほど心に突き刺さり、魂が揺り動かされる威力のようなものを
感じた。
その響きの中には、およそ音楽を超えて、自分の意志や心の声を直接伝えている、
そんな迫力さえ伝わってきた。
  
ここで聴いたこの曲は、単にその曲の作曲としての良さをはるかに超えて、
このピアニストの演奏力と意志の力で、その魅力を何倍にも拡大されたものと言えるだろう。
このピアニストは、人を相手にした時、異常なまでの魔術的力を発揮する稀有の存在である、
そんな印象を強くした。

よく辻井さんのことを、盲目のピアニストとしてもてはやし、
またそれがある種の心情的アドバンテージであるかのように揶揄する評論を見かけることがある。
しかし私が今回生で辻井さんの演奏を聴いて確信できることは、
盲目であるのにすごいとか、その生い立ちへの心情的好感などということは、
もはやちっぽけなことであって、
もしこのピアニストにとって盲目であることにアドバンテージがあるとすれば、
聴衆に音楽で何かを伝えてやろう、
聴衆と音でコミュニケーションし、心の奥に、目には見えない何かを届けてやろう、という迫力が、
視覚がないがゆえに通常のピアニストに比べ何倍も多く備わったこと、
ということにあると言ってしまえるのではないかと思う。
そしてその成果は、このピアニスト
生で聴いてこそ、
しみじみと体感できる
ように思う。

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